O MARICAL

Paratodos - Chico Buarque

2012-02-01T20:45:00.000-08:00

Projeto: Outro Manifesto: Artista da Fome - Coletivo ES3

2012-01-16T08:38:00.000-08:00

Projeto: Outro Manifesto: Artista da Fome - Coletivo ES3

Dia 21, Sábado às 19h na Casa da Ribeira - R$ 5,00

Informações:(84) 3211-7710

SHOW: Acústico Matando O Amor - Talma & Gadelha

2012-01-16T08:35:00.000-08:00

SHOW: Acústico Matando O Amor - Talma & Gadelha

Dia 19, Quinta às 20h na Casa da Ribeira - R$ 5,00

Informações:(84) 3211-7710

Aeroporto de pipas- Letto

2011-12-28T18:47:00.000-08:00

Novo clipe do nosso querido Letto Ottel.

Elementos basicos de desenho

2011-12-23T18:24:00.000-08:00

* A linha.linha

É o elemento básico de todo desenho. Basicamente uma simples linha numa folha de papel, divide o espaço em áreas de desenho. Esta separação pode definir ou diferenciar a luz da sombra, o espaço frontal do fundo, o espaço positivo do negativo. A linha pode ser uniforme, de igual espessura ou diferentes espessuras.

* A Forma.forma

A forma acontece quando a primeira linha acontece. A definição mais básica da forma, pode ser o espaço branco do papel. A forma é o espaço contido entre as linhas desenhadas. A forma ajuda a definir o objecto. A incorrecta utilização da forma fará com que o desenho não se pareça com o modelo.

* Proporção e perspectiva.

A proporção tem a ver com o tamanho de um elemento no desenho em relação com outro elemento do mesmo desenho. De uma forma mais clara podemos definir que a proporção é o que determina que por exemplo, no corpo humano, as pernas são mais compridas que os braços, o dedo médio mais comprido que o mindinho, ou o nariz da mesma largura que o olho. Si a proporção não for a correcta, o desenho não aparece correcto.

A perspective é o efeito pelo qual os objectos mais distantes parecem mais pequenos. Os elementos mais perto do observador são desenhados de maior tamanho. Esta distribuição deve responder a uma correcta proporção, caso contrario o desenho perderá realismo.

* Luz e sombra. luzesombra

Criam o efeito de profundidade e atmosfera num desenho. De forma a dar realismo ao desenho a sombra é indispensável. Tudo na natureza tem sombra e produz sombra.Um desenho sem sombras, é um desenho sem vida. A sombra automaticamente adiciona ao desenho a sensação de perspectiva, indicando a existência de diferentes planos de profundidade."

Fonte

http://desenhando-desenhando.blogspot.com/search?updated-max=2010-01-16T15:18:00-08:00&max-results=7

Cia de Dança do Teatro Alberto Maranhão--- Eu, Vós e Ele

2011-12-23T17:35:00.000-08:00

Espetáculo contemplado pelo edital Cena Aberta!

Imagens do Deart UFRN ( 2 )

2011-12-20T12:00:00.001-08:00

ESSA SEMANA NA CASA DA RIBEIRA (16/12/2011)

2011-12-15T19:44:00.000-08:00

Espetáculo de Dança: Sobre o que Restou - Procura-se Cia. de Dança

Dias 16 e 17, Sexta e Sábado às 20h e 18, Domingo às 17h - R$ 5,00

Coordenação geral: Gustavo Wanderley

Coordenação de Produção: Mariana Hardi

Edição, Direção de Criação e Arte: Dillo Tenório

Maebh Castello : Os venenos da mãe natureza

2011-12-15T05:46:00.000-08:00

Na sua última ilustração, Maebh Costello junta dois "venenos" produzidos pela Mãe Natureza: a viúva negra e a hera. Conheça aqui o trabalho e a evolução desta designer irlandesa, que já produziu trabalhos para a Shell, Dell e Canon.

"Poison" é o novo trabalho da designer irlandesa Maebh Costello. Centrada no ciclo da vida, retrata a imagem de uma viúva negra numa teia rodeada de heras: dois elementos extremamente venenosos. No primeiro caso, a fêmea alimenta-se do macho após a cópula e a sua picada pode ser fatal. No segundo, temos a hera, uma planta que, quando ingerida, causa náuseas, dores abdominais, problemas respiratórios e neurológicos. Serviu mesmo de inspiração para a personagem Hera, da Marvel Comics. Tanto a aranha como a hera representam o lado perigoso da mãe natureza.

Outros trabalhos de Costello mostram também composições com elementos da Natureza. Por exemplo, em "Swallowed", um trabalho que envolve fotografia, uma mulher afunda-se no mar e o seu corpo mistura-se ao de alforrecas brilhantes. Este trabalho representa também uma das suas paixões e medos: a designer pratica surf e sente-se muito próxima do mar.

Em "Children of Lir", dois gansos, lado a lado, saem do tronco de um homem e toda a imagem se vai tornando líquida, escorrendo. Em "Jeux de Seduction" (feito em colaboração com Sahir Khan) o rosto e tronco de uma mulher ganham relevo. E "Bio Sight" é, mais uma vez, a junção do corpo humano à Natureza. Finalmente, em "Growing up" vemos uma planta a crescer, ansiando por luz, o que é também uma metáfora da evolução da designer: neste trabalho ela começou a aperfeiçoar a técnica mista, deixando de usar unicamente o meio digital. Passou a integrar os desenhos a lápis nas suas ilustrações digitais.

Com traços finos e precisos, as cores predominantes do trabalho de Costello são os cinzas, os cremes e os tons mais quentes derivados do vermelho. A mulher tem também um papel importante no seu trabalho.

Especializada em ilustração e design, Costello trabalha na área há cinco anos e já teve como clientes a Canon, a Shell e a Dell. A ilustradora descreve-se como uma aprendiz rápida e interessada em adquirir novos conhecimentos. Apaixonada por arte, até nos tempos livres se dedica ao design, fotografia e artes. Trabalha maioritariamente no computador, através de programas como o Photoshop. E passa muito tempo fora de casa, sempre com a máquina fotográfica.

Conheça mais trabalhos da designer irlandesa no seu site pessoal ou siga-a no Twitter.

Imagens do Deart UFRN

2011-12-14T18:45:00.000-08:00

Um brinde (Yuri Magalhães)

2011-12-14T18:05:00.000-08:00

Yuri Magalhães, mostra uma performance que critica a real situação do artista potiguar, remete-se a um discurso geralmente conhecido de " O artista que vive a mercê do poder público". Nesse contexto, o interprete une questões ligadas a política, opinião, relação entre artistas em meio geográfico,social e humano.

Me identifiquei bastante com as idéias que permeiam o texto da performance, que deu até vontade de fazer um vídeo expondo essas idéias, mas como não temos um público alem da geração "infica" do grafith, prefiro nem gastar meu precioso tempo com essa tentativa frustada de expressar a indignação vivida pelo artista natalense em especial.

A Performance foi apresentada no dia 13/12/11 nas dependências do departamento de artes da UFRN, vejo na crítica "clichê" do nosso querido Yuri Magalhães a minha indignação de artista desvalorizado pelo poder público, que sustenta o artista em um mero espetáculo e que enche a cabeça dos jovens que creem fazer arte a partir de modinhas e meros elogios.

Confira a performance com exclusividade.

Yuri Magalhães é graduado em Teatro pela UFRN e atualmente faz mestrado na mesma instituição, com este artista, tive a oportunidade de trabalhar em uma de suas encenações com "A congregação dos toucas pretas" em 2009.

http://maricalman.blogspot.com/2009/12/congregacao-dos-toucas-pretas.html

Na integra, o texto da performance:

Um brinde...

Gostaria de propor um brinde a nós, artistas.

Um brinde à nossa eterna generosidade,

Somos generosos porque aceitamos, de bom grado, trabalhar, quase como escravos, por preços irrisórios. E nossa generosidade é tanta que, além de aceitar trabalhar por preços irrisórios ainda aceitamos receber fiado, ou seja, o artista é tão generoso que aceita trabalhar e receber até um ano depois.

Também somos modestos! Por que somos? Porque o artista, principalmente, o artista local acostuma-se com a ideia de que não é “grande coisa”, estendendo sempre um tapete vermelho ao artista nacional, aceitando inclusive receber infinitamente menos que ele, e claro, recebe mil reais fiado, enquanto o artista nacional só trabalha se receber 200 mil antecipadamente.

Também somos compreensivos, compreendemos o tempo inteiro que se o Governo não investe em Saúde, nem em Educação, investirá muito menos na Cultura. O artista é tão compreensivo que se acostuma a pensar que não tem grande relevância por não ser celebridade, aceita ser sempre colocado em último lugar em tudo.

Um brinde, por sermos tão pacientes, tão conformistas, por achar que vida de artista é isso mesmo, e um brinde ao pensamento imbecil diz que para ser artista é preciso sofrer. O brinde a extraordinária inteligência do artista que é conivente com este tipo pensamento, que em virtude de uma ideologia “fajuta” se submete a todo tipo de humilhação e limitações, principalmente de ordem financeira.

Um brinde ao nosso comportamento pacífico, que em vez de brigarmos por políticas públicas de cultura, nos contentamos em participar do Auto de Natal, achando que o “Auto de Natal” é o décimo terceiro da classe artística.

Um brinde a nossa consciência! Passamos o ano inteiro reclamando do Governo do Estado e da Prefeitura. Porém basta que a prefeita esteja presente, que muitos nós iremos abraçar, apertar a mão, e tirar foto, em vez de expor nossos problemas.

Um brinde aos grandes diretores, aos grandes artistas, que apenas conseguem se consagrar no âmbito municipal e estadual, graças a amizade com o políticos.

Um brinde aos artistas adolescentes que se dizem “politicamente engajados” e nas eleições votam em Rosalba Ciarlini e em José Agripino.

Um brinde à ingênua esperança do artista que vai a São Paulo achando que terá mais chances e viverá mais dignamente, vive reclamando das políticas locais para a cultura aqui, e quando chega em São Paulo vai reclamar da política lá, e enquanto nós aqui em Natal passamos a consagrar o artista que parou de se humilhar aqui para se humilhar em São Paulo.

Um brinde a diretores e coreográfos que vivem de nariz em pé por passarem a vida organizando quadrilhas juninas, blocos de carnaval, e vão para a TV dizer que a prefeita está de “parabéns” por promover uma festa popular, quando não está fazendo mais do sua obrigação.

Também devemos brindar a nossa humildade. O artista é tão humilde que se recusa a exigir o mínimo de respeito para não ser interpretado como “estrela”, ou “arrogante”.

Um brinde também para esse protesto clichê, de reclamar da vida dura de artista, ou falar mal do governo, típico de quem não tem o que fazer e de quem não tem assunto melhor.

Enfim, para encerrar, devo esclarecer que esse brinde é a cara do artista. Por que? Primeiro, porque ele não será feito com taças, será com copos descartáveis. Pois é exatamente isso que somos aos olhos de muita gente, descartáveis. A bebida não será champagne, será cachaça! Porque é essa bebida quente a amarga, que desce rasgando, que merecemos tomar! Porque é isso que passivamente nos enfiam guela abaixo para tolerar as atrocidades.

Brindemos!

Yuri Magalhães

Mineiro %u201Cterceiro-mundializa%u201D miami

2011-12-13T18:09:00.000-08:00

Deu no New York Times: o mineiro Paulo Nazareth, que mora em Santa Luzia, é o único com bom trabalho na exposição Art positions, setor dedicado aos artistas emergentes da Art Bassel Miami, maior feira de arte contemporânea dos Estados Unidos. Para a crítica Karen Rosemberg, que assina resenha sobre o evento (encerrado dia 4) no suplemento Art&Design, quem está chegando ao circuito artístico faz arte que deixa a sensação de algo já visto e derivado de propostas conhecidas. A única exceção, para ela, é Paulo Nazareth. O mineiro, apresentado pela galeria paulista Mendes Wood, mostrou uma Kombi com uma tonelada de bananas, vendidas por ele mesmo, ao lado de cartazes com textos como: "Não se esqueçam de mim quando eu for nome importante"; "Vendo imagem de homem exótico" etc. A obra chamou atenção e foi parar nas páginas de várias publicações, entre elas o Wall Street Journal.

A feira de arte já terminou, mas até quinta-feira Paulo Nazareth, com "inglês torto e francês gauche", vende bananas em Miami. Só que nas ruas de Little Haiti, para onde levou sua instalação. Na Bassel, cada fruta custava US$ 10. Na rua 100 delas estão sendo vendidas a US$ 1. "Descobri que é mais fácil vender banana em feira de arte do que em Little Haiti", conta, por telefone, explicando que, inicialmente, a comunidade ficou desconfiada da origem (e do preço baixo) das frutas. Aos poucos, habitantes do local passaram a ajudá-lo na empreitada. "Relações ricas com a vida são o material da minha arte", avisa, explicando que suas ações são políticas, poéticas e estéticas. "Bananas verdes, que, aos poucos, foram ficando amarelas, pintadinhas, dentro da Kombi verde, ficou tudo muito bonito", observa, vendo no forte aspecto estético um dos motivos do rumor que a obra provocou.

A instalação [banana banana] ganhou nos Estados Unidos, à revelia do artista, o nome de Mercado de bananas/Mercado de arte. Foca o desejo dos americanos do Sul de migrar para o Norte. A peça faz parte de série chamada Notícias da América, em desenvolvimento a partir de residência artística em Nova York. Trabalho que o artista trocou por vagar pela cidade, durante dois dias, com o movimento Occupy Wal Street e também por viagens pela América Latina, aprofundando pesquisa sobre deslocamentos. "Estou na exposição para 'terceiro-mundializar' os Estados Unidos, começando por Miami", provoca Paulo. Promete, agora, trazer notícias dos EUA para a América Latina, em outra exposição, mostrando trabalhos realizados durante as viagens. Estima que, "se não se perder" na viagem de volta (que será feita por terra, exatamente como ele foi para os Estados Unidos) e "se Deus quiser", estará de volta ao Brasil em três meses.

BLACK POWER A série Notícias da América, para Paulo, começou no momento em que ele foi tirar o passaporte e o computador recusou sua foto, já que o padrão não reconhecia o cabelo black power, sendo ele identificado como índio com cocar. Na hora de tirar o visto de entrada nos Estados Unidos, devido ao mesmo problema, teve de colocar um turbante, o que facilitou identificação como árabe. "Foi a expansão do conceito de pessoa, de lugar e homenagem à minha origem", brinca o artista. "Sou neto de krenaks, bisneto de italiano, asiático segundo teoria do povoamento da América. Me chamo Paulo Nazareth de Jesus, isto é, tenho nome de cidade do Oriente Médio - Nazaré - e católico, dado por mãe, que é do candomblé", acrescenta, com humor. O bom andamento da carreira credita a promessas da mãe, para São Judas Tadeu, padroeiro das causas impossíveis, para que os projetos dele dessem certo. Para trabalhar, teve de driblar problemas nas fronteiras entre México, Guatemala e Estados Unidos.

Mais: como Paulo Nazareth queria chegar aos Estados Unidos impregnado de América Latina, foi por terra. Ficou, inclusive, "seis meses e 15 dias sem lavar os pés", para que a poeira ("que não considero sujeira") permanecesse neles. Usou meias, na fronteira com o México, para que fiscais não vissem como estavam os pés dele, só lavados no Rio Hudson, já em Nova York. Também jogou no rio, em 28 de outubro, imagem de São Judas Tadeu. "Quando me inscrevi no Bolsa Pampulha, ela rezou para o santo para que os meus projetos dessem certo e as rezas continuam ajudando", garante. A participação na Art Bassel rendeu vários convites para eventos na Europa, mas Paulo quer chegar lá, "depois de passar pela África", repetindo o que fez agora.

Perfil

Paulo Nazareth tem 34 anos, nasceu em Governador Valadares, vive e trabalha em Belo Horizonte. É formado em desenho e gravura, estudou entalhe em madeira com Mestre Orlando. Ganhou o Bolsa Pampulha (2004-2005), já recebeu prêmios em salões, participou de mostras de performances, realizou diversas mostras em BH, São Paulo, Goiânia, Porto Alegre. Evita definições de arte, mas suspeita que o essencial sejam ações transformadoras. Motivo de satisfação é estar amadurecendo projeto cultivado há muito tempo, de linguagem pop, conceitual e contemporânea. Quando convidado a falar sobre seus trabalhos, ele diz: "É um pouco performance.

Prefiro chamar de arte relacional, arte de conduta. É a minha maneira de me conduzir no mundo. Vou sendo todo dia transformado pelas situações, pelos ecos do que vai ocorrendo ao meu redor. Não se trata de relações apenas intelectuais, presencio relações fortes, emocionantes com a vida. Conheci um artista que não tinha malas e disse, por isso, não viajar. Vendo que viajei com um embornal, de saco de linhagem, ficou surpreso. E chegou à conclusão de que podia fazer o mesmo. É tudo muito forte, cheio de emoções. Há coisas que são para mim como um soco, que faz girar minha cabeça, exatamente como se faz com o

pescoço do frango para matá-lo".

FONTE

http://www.catalogodasartes.com.br/Detalhar_Noticias.asp?id=5276

Falta (Lidiane Blanchet)

2011-12-09T07:36:00.000-08:00

É provável que sinta

A minha falta, assim

Como um morto sente

A falta da presença de

Uma vela em seu velório;

Mesmo que apagada,

E sem dispor da forma

Viva de acendê-la.

ESSA SEMANA NA CASA DA RIBEIRA (10/12/2011) VT4

2011-12-09T04:01:00.000-08:00

Workshop de Viola Potiguar - Coord: Arcésio Andrade
Dia 10, Sábado às 16h - R$ 5,00

Coordenação geral: Gustavo Wanderley
Coordenação de Produção: Mariana Hardi
Edição, Direção de Criação e Arte: Dillo Tenório

ESSA SEMANA NA CASA DA RIBEIRA (09/12/2011) VT3

2011-12-09T03:59:00.000-08:00

Espetáculo de Dança: Dançando às Avessas - Sandro Sousa Silva
Dia 09, Sexta às 20h - R$ 5,00

Coordenação geral: Gustavo Wanderley
Coordenação de Produção: Mariana Hardi
Edição, Direção de Criação e Arte: Dillo Tenório

O Lado de Dentro do Canto da Sereia

2011-12-08T17:04:00.000-08:00

Gostaria de convidar os leitores de O MARICAL a se fazerem presentes no departamento de artes-UFRN no dia 16 de dezembro de 2011, às 9:00h, para a mostra de encenações 4 do curso de Teatro da UFRN 2011.2.

Apresentação de conclusão de disciplina com a montagem final da peça do renomado dramaturgo Makarios Maia "O Lado de Dentro do Canto da Sereia" com elenco da escola Maria Madalena da Silva -Baixa do Meio/Guamaré -RN orientação acadêmica de Naira Ciotti e a direção de Fabinho Fernandes.

ARTISTAS CIRCENSES COMEMORAM O DIA DO PALHAÇO.

2011-12-07T20:12:00.000-08:00

Poucos sabem, mas dia 10 de dezembro é o dia do palhaço. Artistas circenses do Brasil inteiro comemoram esta data com muito sorriso no rosto e alegria na alma.

Em Natal, pelo segundo ano consecutivo, algumas companhias como Circo Grock, Tropatrupe, Trotamundos e vários artistas independentes irão realizar no Circo Grock às 10 horas da manhã do dia 10 de dezembro, um espetáculo inteiramente gratuito para 150 crianças advindas das casas de passagem e aldeias infantis (rede de acolhimento à crianças destinadas para adoção) e também do Grupo de Apoio à criança com câncer – GAAC, com vários números como malabares, pernas de pau, palhaços, acrobacias, muita pipoca, algodão doce e ainda com direito a comemorar o aniversário de um dos palhaços presentes na festa.

Lembrados e adorados há mais de quatro mil anos, os palhaços são figuras que, com roupa desengonçada, calça largada, andar atrapalhado e sapato exagerado, conseguem tirar o público do seu mundo de preocupações para simplesmente sorrir a vida, porque afinal... alegria contagia!

Atualmente, os palhaços romperam a fronteira do circo e cumprem sua função social, seja em circos, palcos, hospitais ou na rua, fazendo-nos lembrar que sorrir é ainda o melhor remédio para curar todos os males!

“Acreditamos que uma ação social é o melhor “protesto” que podemos fazer para lembrar a sociedade e aos gestores públicos que a figura dos artistas circenses como os palhaços, necessitam não somente serem lembrados pelo riso, mas também de políticas culturais específicas para o circo, dada a situação crítica que os mesmos enfrentam no Brasil pela falta de apoio, infra estrutura, etc, fazendo com que se esqueça desse patrimônio cultural valiosíssimo”, disse o artista e palhaço Zeca Santos.

O Brasil tem queridos e inesquecíveis palhaços como: Piolin, Arrelia, Carequinha, Fuzarca, Pimentinha, Torresmo, Bozzo, Pururuca, Picolino, entre outros.

A arte ponta-grossense vai ao Louvre

2011-12-07T13:00:00.000-08:00

Duas obras da artista plástica Giovana de Britto Correia estarão expostas no Museu do Louvre, em Paris.

A artista plástica ponta-grossense Giovana de Britto Correia teve duas de suas obras selecionadas para expor no Museu do Louvre em Paris, no Salon Nationale Des Beaxu-Arts, de 8 a 11 de dezembro. Fundado em 1861, o espaço expõe há mais de 150 anos obras de renomados artistas de todo o mundo, e Giovana representará o Paraná dentre um seleto grupo de artistas, criteriosamente selecionados, os quais fazem parte do movimento artístico nacional, com temas e técnicas de várias regiões do Brasil. A artista já participou de diversas exposições nacionais e internacionais, recebeu o prêmio da Academia de Artes, Ciências e Letras da França.

Fonte:

JM News

http://www.catalogodasartes.com.br/Detalhar_Noticias.asp?id=5212

Teatros da memória

2011-12-07T12:55:00.000-08:00

Giorgio de Chirico, um dos mais influentes pintores da arte moderna no mundo, chega ao Brasil em mostra itinerante.

- Porto Alegre/RS - A praça, na cultura greco-romana, era onde se reuniam poetas, filósofos, oradores, guerreiros, políticos e intelectuais. Ambiente por excelência das pinturas de Giorgio de Chirico, a praça é o cenário onde o artista aproxima fragmentos e memórias das várias culturas e cidades onde residiu. Nascido em Volos, na Grécia, em 1888, mas italiano de adoção, De Chirico viveu em Florença, Turim, Munique, Nova York, Ferrara e Paris, até fixar-se em Roma, em 1944. As praças representadas em sua pintura são também locais de encontro de três momentos-chave da cultura ocidental: antiguidade clássica, renascimento e modernidade. Essa justaposição cultural e temporal está bem sintetizada em "Muse Inquietanti", de 1924, a obra mais antiga da exposição "De Chirico: o Sentimento da Arquitetura", em cartaz a partir de 9 de dezembro na Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre.

Nessa pintura - realizada no auge da fase metafísica de De Chirico -, o Castello Estense, joia arquitetônica renascentista de Ferrara, é cercado por ruínas gregas, chaminés de fábricas - ícones da era industrial - e pelas "musas inquietantes" que nomeiam a obra. Efetivamente inquietantes, essas esculturas-manequins conferem a aura de mistério, transcendência e erudição que iluminou toda a obra de De Chirico e inspirou o grupo surrealista de André Breton. "A cidade de De Chirico é cidade grega, renascentista e moderna ao mesmo tempo: por isso foi amada por Breton como o espaço surreal, onde atravessam simultaneamente o vapor de uma locomotiva e a vela homérica", escreve no catálogo da exposição a curadora Maddalena D'Afonso, crítica de arte e arquitetura.

Cada obra se comporta, portanto, como um arquivo histórico em si, colocando tempo e espaço em suspensão - como manda a metafísica. Ali se descortina o pensamento de um artista-filósofo, mas também de um artista-arqueólogo, interessado nas camadas esquecidas da civilização. Na tela "Archeologi", de 1968, De Chirico homenagearia a profissão, apresentando duas figuras com corpos compostos por elementos da arquitetura greco-romana, como templos, capitéis, ruínas e arcos.

A mostra conta com 45 pinturas e 11 esculturas produzidas no período neometafísico, entre os anos 1960 e 70, além de 66 litografias de 1930 - todas obras da Fondazione Giorgio e Isa de Chirico. A trajetória da exposição inclui Belo Horizonte e São Paulo, mas é sintomático que comece em Porto Alegre. A montagem na Fundação Iberê Camargo propiciará, afinal, um reencontro entre mestres. Em 1948, quando partiu para a Europa com uma bolsa de estudos, Iberê Camargo estudou durante um ano com De Chirico, em Roma. "Iberê Camargo aprendeu com o mestre europeu da pintura metafísica procedimentos técnicos relativos à pintura", aponta a crítica de arte Mônica Zielinsky, responsável pela catalogação da obra completa do artista gaúcho. "Mas Iberê também encontrou afinidade entre as fontes de estudo do pintor italiano, pois ambos estudaram Nietzsche e Schopenhauer, ao discutirem a ideia do verdadeiro, e acreditaram na negação do presente, na necessidade de expor o mistério, a solidão e o silêncio, cada um por caminhos pictóricos completamente distintos."

A crítica aponta que ambos têm pinturas de prédios solitários e isolados: De Chirico em referência a monumentos e praças de Roma, Iberê em fachadas de hospícios no Rio de Janeiro. Esse diálogo poderá ser conferido in loco, já que o quarto andar do edifício projetado pelo arquiteto Alvaro Siza fica sempre reservado às obras de Iberê, independentemente da exposição temporária em cartaz. Atualmente, a mostra "Conjuro do Mundo", com curadoria de Adolfo Montejo Navas, tem 73 obras. A cada seis meses, uma nova curadoria apresenta novas propostas e trabalhos. Com essa dinâmica, a fundação garante a saudável circulação de seu acervo de cinco mil obras, garantindo o diálogo permanente entre Iberê e seus pares.

FONTE

http://www.catalogodasartes.com.br/Detalhar_Noticias.asp?id=5215

As diferentes faces de Frida Kahlo

2011-12-07T12:52:00.000-08:00

Salvador/BA

O artista visual Mário Britto homenageia a mexicana Frida Kahlo com pinturas que inspiram na linguagem pictórica, nas histórias em quadrinhos, nas artes gráficas contemporâneas e na semiologia das tatuagens. A mostra Frida's Faces é composta de 23 telas pintadas em tinta acrílica. Graduado em Artes Plásticas pela UFBa, o pintor realiza anualmente exposições dedicadas à memória da artista que ele pesquisa há 17 anos.

Galeria Jayme Fygura (Teatro Gamboa Nova) - Rua Gamboa de Cima, 3, Aflitos. Telefone: 3329-2418
Data: até 18/12, qua a sab, 16h às 20h
Entrada franca

Artista usa círculos para recriar ícones pop

2011-12-07T12:49:00.000-08:00

O círculo, uma das formas mais básicas da geometria, é a base para uma série de imagens do artista belga Ben Hein. Usando apenas o format, ele recria imagens de artistas e famosos, como Eminem, Marilyn Monroe, Lady Gaga, Freddie Mercury e Bob Marley.

O estilo, batizado pelo próprio artista como circulismo digital, une duas técnicas distintas: o pontilhismo, de inspiração impressionista, e as retículas, normalmente usadas em histórias em quadrinhos. Com o uso de computadores, ele trabalha em cima das fotografias até deixá-las cobertas pelos círculos, que dão também uma sensação 3D em algumas imagens.

Heine já havia se destacado com a série Pencil Vs. Camera, que unia fotos com desenhos inusitados feitos à mão.

FONTE

http://www.catalogodasartes.com.br/Detalhar_Noticias.asp?id=5191

O Autismo Cultural no Rio Grande do Norte ( Por: Fernando Yamamoto Postado em: Fevereiro 3, 2011 )

2011-11-30T21:07:00.000-08:00

Há cerca de uma década assola no teatro potiguar uma onda de encenações ao ar livre, em geral montadas em grande estruturas, popularmente conhecidas por “autos”. Para quem jamais ouviu falar, a matriarca destes espetáculos é a famigerada Paixão de Cristo encenada na cidade pernambucana de Nova Jerusalém.

Estes espetáculos normalmente têm por característica homenagear santos – em geral padroeiros das cidades onde acontecem –, mas também podem prestar tributos a fatos históricos, como o dia em que a polícia expulsou o bando de Lampião da cidade de Mossoró, ou até mesmo – pasmem! – a inauguração de uma ponte. Outros traços marcantes destes espetáculos é a utilização repetida do mesmo texto por anos a fio, em alguns casos ad infinitum, o que resulta em tentativas, por parte dos encenadores, de criar a cada ano novas pirotecnias para despertar algum tipo de interesse no público em assistir o mesmo espetáculo, com a mesma dramaturgia, com uma nova demão de tinta a cada ano. Por falar em pirotecnia, outro traço marcante destes espetáculos é, inevitavelmente, serem encerrados por suntuosas – e, por consequência, despendiosas – queimas de fogos de artifício. Por fim, é comum também estes espetáculos serem seguidos de shows musicais de artistas de destaque (ou não) no país, de Gilberto Gil a Calypso, de Titãs a Calcinha Preta.

Estas práticas, que se tornaram recorrentes, alastram-se a uma assustadora velocidade e, por incrível que pareça, superam diferenças de gestões, passando de governo para governo sem nenhum tipo daquele tradicional pudor de dar continuidade a ações da gestão anterior. Os autos têm trazido distorções e contradições que se amplificam ano a ano, como por exemplo:

· Enquanto os artistas norte-riograndenses seguem assistindo a total ausência de uma proposta de política pública para as artes, sempre partindo da alegação da ausência de verba, caminhões de dinheiro são despejados nestes tais “autos”;

· Enquanto os chamados “artistas da terra” – como os gestores públicos adoram nos chamar – degladiam-se para conseguir um lugarzinho ao sol nos disputados elencos destes espetáculos (a troco de medíocres cachês), a grande parte do dinheiro investido é voltada para a infra-estrutura – banheiros químicos, folders luxuosos, etc. – e para bancar a vinda dos milionários shows musicais que procedem às apresentações;

· Enquanto os gestores públicos defendem que estes espetáculos formam público, pelos numerosas platéias que levam às ruas – ignorando o fato de artistas e bandas de grande apelo midiático nacionais se apresentam logo em seguida – as casas de espetáculo durante todo o ano continuam com públicos minguados nas corajosas (insanas?) temporadas dos grupos locais;

· Enquanto milhares de reais são investidos em ações pontuais com duração de poucas semanas, os grupos de teatro do estado seguem sem nenhum tipo de fomento – editais, prêmios, programas voltados à manutenção, produção, circulação ou pesquisa – durante todo o ano, o que torna praticamente impossível a sobrevivência destes grupos que, diante deste panorama, seguem tocando seus trabalhos nas madrugadas e finais de semana (e com resultados estéticos condizentes à estas condições).

Estas iniciativas, aliadas a inócuos mecanismos de benefício fiscal estadual ou municipal, compõem a totalidade das ações para a cultura no Rio Grande do Norte. Durante anos, esta questão foi tratada como tabu entre os artistas do estado, parte por temerem a perda da sua fatia do bolo, parte por acreditarem que essa “política de autos” jamais será desfeita e, por isso, seria perda de tempo refletir, discutir ou tomar qualquer posicionamento.

O certo é que os frutos mais expressivos destas ações são de cunho eleitoral e mercadológico, garantindo a permanência dos mesmos gestores – com algumas variações que pouco mudam o panorama, já que vivemos num estado sem oposição –, favorecendo o turismo (pois que utilizem dinheiro desta secretaria!) e, principalmente, enchendo os olhos da população com espetáculos que nada acrescentam ao crescimento da linguagem cênica potiguar, mas que trazem um verniz que faz parecer aos olhos leigos uma política cultural bem sucedida.

O que parece, finalmente, é que uma parcela dos artistas do Rio Grande do Norte finalmente decidiu debruçar-se sobre a questão, debatê-la, questioná-la, e propor uma reflexão mais consistente sobre o tema. Resta saber se o poder público se dispõe a sentar, e a começar a pensar sobre a sua função de fomento à práticas continuadas, de pesquisa e formação, batendo de frente à hedionda lógica ditatorial do mercado, entendendo a cultura como ferramenta de construção de uma sociedade mais justa e democrática.

Qual o próximo passo?

Fonte

http://www.primeirosinal.com.br/artigos/o-autismo-cultural-no-rio-grande-do-norte

Cancelado o Auto de Natal 2011

2011-11-30T20:59:00.000-08:00

Depois do protesto (no qual fiz parte do elenco) na primeira edição do Auto de Natal realizado pela atual gestão da prefeitura, em 2009, seguido por polêmicas envolvendo a montagem de 2010 além dos boicotes e da falta de pagamentos aos artistas, o Auto de Natal 2011 foi cancelado.

A justifica é falta de recursos. A informação foi repassada pela atriz e jornalista Carol Reis, no Facebook. Segue a íntegra da mensagem.

URGENTE: O Auto de Natal 2011 que seria apresentado pela Prefeitura de Natal, dentro da programação do NATAL em NATAL, foi CANCELADO. O elenco foi informado hoje, (31) que por incapacidade da prefeitura os recursos para o evento não foram liberados. Ao grupo de atores e bailarinos que já estavam em processo de montagem foram garantidos apenas R$ 1.000 de ressarcimento a serem pagos no mês de janeiro. Agora, resta ao Presente de Natal, evento particular, suprir mais uma falha da gestão municipal.

O Auto de Natal deste ano teria texto de Edson Soares (por sinal, o mesmo texto dos anos anteriores) e direção de Diana Fontes. Contaria com 68 artistas.

Minha amiga e colega de universidade Carol Piñeiro deixou seu ponto de vista via facebook a respeito do fato:

"Sou artista. Não participo do Auto de Natal desde 2008 (única vez) fiz apenas mais um teste e desisti, mesmo precisando de dinheiro. Bateu a vontade esse ano, confesso, sem hipocrisias. Eu ainda preciso de dinheiro e sempre vou precisar.
Por mais que muitos amigos que eu acredito no trabalho participem ano após ano nesse evento, eu acredito que o Auto de Natal seja mais um evento POLÍTICO do queARTÍSTICO. A cada gestão o evento sofre abusos ou apadrinhamentos.

Artistas, dessa vez vocês nem vão chegar a apresentar, ensaiaram pra na-da. Não está na hora de tomar uma consciência política? O Auto de Natal sempre acontece, aos trancos e barrancos, explorando artistas, porque SEMPRE tem gente lá. Todo mundo precisa de dinheiro, mas já passou da hora da classe artística local se organizar e criar alavancas para que esse tipo de situação não aconteça mais. NÃO TOPAR TRABALHO FILHO DA PUTA é uma dessas posturas por exemplo. Trabalho sem contrato? Me poupe! Contrato se assina no primeiro dia, não no dia do pagamento. Se você for substituído ANTES de apresentar, quem garante que vão pagar seus ensaios e o tempo que você permaneceu no processo?

Tenho amigos que estavam trabalhando no FALECIDO AUTO DE NATAL 2011 que foi CANCELADO HOJE, dia 1 de dezembro, no mês do evento. Acho um absurdo artistas serem dispensados de um local de trabalho sem NENHUMA garantia, apenas com promessas. Promessas de uma prefeitura que hoje, somente hoje, disse que não tinha verba pro evento (mas que tem verba pro Carnatal).

Espero sinceramente que esse fato contribua pra Natal ACORDAR. E que quem trabalhou receba, justamente assim como deve ser em QUALQUER TRABALHO."

Só posso chegar a uma conclusão; o clima está tenso.

Fonte

http://revistacatorze.com.br/2011/auto-de-natal-2011-cancelado

Dramatúrgia Clássica (Antígona)

2011-11-30T12:13:00.001-08:00

Antígona (em grego Ἀντιγόνη) é uma figura da mitologia grega, irmã de Ismene, Polinice e Etéocles, os filhos incestuosos de Édipo eJocasta.. Em uma outra versão, a mãe dos filhos de Édipo se chamava Eurygania, filha de Hyperphas.

A versão clássica do mito sobre a Antígona é descrita na obra Antígona do dramaturgo grego Sófocles, um dos mais importantes escritores de tragédia. Esta obra é uma das três que compõe o que ficou conhecido como Trilogia Tebana, da qual também fazem parteÉdipo Rei e Édipo em Colono. Essas três peças foram unidas posteriormente, e não faziam parte da mesma trilogia quando Sófocle as escreveu. Na verdade, cada uma era parte de uma trilogia diferente, mas apenas essas três peças chegaram aos dias de hoje.

Filha de Édipo e Jocasta, que tinham mais três filhos, Etéocles, Ismênia e Polinice. Foi um exemplo tão belo de amor fraternal quanto Alcestes foi do amor conjugal. Foi a única filha que não abandonou Édipo quando este foi expulso de seu reino, Tebas, pelos seus dois filhos. Seu irmão, Polinice, tentou convencê-la a não partir do reino, enquanto Etéocles ficou indiferente com sua partida. Antígona acompanhou o pai em seu exílio até sua morte. Quando voltou a Tebas, seus irmãos brigavam pelo trono.

Polinice se casa com Argia, a filha mais velha de Adrasto, rei de Argos, e junto dele arma um ataque contra Tebas, que é chamado de expedição dos "Sete contra Tebas" ondeAnfiarau prevê que ninguém sobreviveria, somente o rei de Argos. Como a guerra não levou a lugar nenhum os dois irmãos decidem disputar o trono com um combate singular, onde ambos morrem. Creonte, tio deles, herda o trono, faz uma sepultura com todas as honras para Etéocles, e deixa Polinice onde caiu, proibindo qualquer um de enterrá-lo sob pena de morte. Antígona, indignada, tenta convencer o novo rei a enterrá-lo, pois, quem morresse sem os rituais fúnebres seria condenado a vagar cem anos nas margens do rio que levava ao mundo dos mortos, sem poder ir para o outro lado. Não se conformando, ela rouba o cadáver insepulto que estava sendo vigiado, e tenta enterrar Polinice com as próprias mãos, mas é presa enquanto o fazia.

Na versão de Sófocles, Creonte manda que ela seja enterrada viva. Sua irmã Ismênia tenta defendê-la e se oferece para morrer em seu lugar, algo que Antígona não aceita, e Hêmon, seu noivo e filho de Creonte, não conseguindo salvá-la, comete suicídio. Ao saber que seu filho havia suicidado, Eurídice, mulher de Creonte, também se mata.

Na versão de Higino, Antígona e Argia, respectivamente irmã e esposa de Polinice, secretamente colocaram seu corpo na pira onde seria queimado o corpo de Etéocles.Elas foram vistas pelos guardas, mas Argia consegue escapar.

Creonte encarregou seu filho Hémon, noivo de Antígona, de executá-la, mas ele, secretamente, a entregou aos pastores. Anos mais tarde, quando o filho dos dois retornou a Tebas para participar de jogos, Creonte reconheceu no corpo do neto a marca dos descendentes do Dragão de Ares.

Héracles implorou a Creonte para perdoar o filho, sem sucesso.Hémon se matou, e matou Antígona. Creonte então casou sua filha Mégara com Héracles, e desta união nasceramTherimachus e Ophites.

Fonte

http://pt.wikipedia.org/wiki/Ant%C3%ADgona

Arte Potiguar (Alvaro Paraguay) Dançarino

2011-11-30T04:15:00.000-08:00

uma capacidade, AVALIAÇÃO
sensação de correntezas represando águas salgadas
constatado, Natal não com/nem sagra seus artistas
um projeto não contemplado, um projeto convidado
ao Artepraia esse aqui, meu avaliador

Workshop: "Viola Potiguar"

2011-11-29T23:31:00.000-08:00

Arcesio Andrade estará apresentando suas pesquisas acerca da viola caipira, conversando com as novas gerações de violeiros e discutindo sobre o "ponteado potiguar", técnica de ponteio didático que desenvolveu a partir da observação de violeiros cantadores. Discutirá sobre a sonoridade da viola potiguar de concerto em execução de ritmos puramente nordestinos com acompanhamento do pandeiro. 10 de dezembro de 2011 às 16h, na Casa da Ribeira, pelo projeto Cena Aberta.

Fonte

http://arcesioandrade.blogspot.com/2011/11/workshop-viola-potiguar.html

Arteando # 2 Horus

2011-11-21T14:27:00.000-08:00

2º Programa "ARTEANDO". Nesta edição, O mágico Horus conta um pouco sobre sua vivencia no universo ligado à mágica, Hikel Brawn é um artista potiguar que encontra na mágica a forma de se manisfestar-se no espaço artístico e que promete desenvolver novas técnicas que aprimorem ainda mais o seu fazer artístico.

Arte potiguar (Arcesio Andrade)

2011-11-21T14:24:00.000-08:00

Um pouco sobre Arcésio Andrade, músico que reside em Natal.

Mais informações sobre esse artista:

http://arcesioandrade.blogspot.com/

http://www.myspace.com/arcesioandrade

Arte Potiguar (Crystal)

2011-11-19T19:01:00.000-08:00

Zona Norte Zona Sul /

Crystal é uma grande referencia da música potiguar, nesse clipe, as zonas periféricas da grande Natal ganha um destaque de maneira positiva, o contrario de como grande parte da mídia a representa.

Quarenta graus acima de dadá

2011-11-07T09:25:00.000-08:00

É no manifesto 40° acima de dadá que Pierre Restany declara as principais intenções do Novo Realismo. Escrito para a primeira exposição coletiva do grupo, realizada em maio de 1961, o texto define: “assim é o Novo Realismo, uma forma preferivelmente direta de recolocar os pés na terra, mas quarenta graus acima do zero dadá, e no nível preciso em que o homem, se consegue se reintegrar no real, o identifica com sua própria transcendência que é emoção, sentimento e finalmente poesia, ainda”.

“Recolocar os pés na terra”, “se reintegrar ao real”. Para Restany, a grande questão da arte dos anos 1960 foi a revitalização do realismo. Nesse sentido, a Pop Art foi notória, mas os nomes a se destacar, além do grupo francês, são os de Jasper Johns e, principalmente, Robert Rauschenberg. Foram artistas que, ainda nos anos 1950, começaram a questionar a onipresença da arte abstrata e trazer elementos do cotidiano para as telas. Uma outra possibilidade para além da arte abstrata que deixou Restany bastante interessado. “A obra de arte perde seus controles e só se torna submetida à urgência expressiva do criador, torna-se um ato cada vez mais gratuito, ameaçado pelo automatismo e que perde a significação para outrem”. Na virada dos anos 1960, Restany observava o desgaste natural do Expressionismo Abstrato e seus afluentes.

Mas é o Surrealismo que recebe as palavras mais ásperas de Restany. Ele deixa claro, André Breton falhou ao tentar anexar o dadá a seu manifesto. “Aquém do câncer doutrinal surrealista e além de todos os ‘ismos’ sucessivos, falsamente revolucionários, da história da arte, dadá surgia na sua pureza original, como a verdadeira revolução, a grande ruptura com a continuidade da tradição, da lógica humanista”. Protesto compartilhado pelo dadaísta histórico Hans Richter, que em seu livro sobre o dadá deixa evidente as ressalvas à apropriação de Breton. Restany é mais incisivo: “o surrealismo foi a flor do mal que brotou desse estrumeiro”. Isso explica tamanha vibração com o aquecimento das idéias originais dadaístas.

E o que Restany considerava por quarenta graus acima de dadá? Para o crítico francês, o ready-made de Marcel Duchamp foi a principal contribuição dadaísta para o percurso da arte no século XX. E as obras dos Novos Realistas conseguiam dar uma finalidade aos objetos de Duchamp, recontextualizar aquele gesto de ruptura.

Bicycle Wheel, 1913 - Marcel Duchamp

Monogram, 1959 - Robert Rauschenberg

Restany festejava, Marcel Duchamp condenava. O artista não aprovou a apropriação de seus objetos, pelo contrário. “Quando descobri os ready-mades, minha idéia era a de desencorajar a estética. Eles pegaram meus ready-mades e descobriram a estética neles. Atirei-lhes à cara o porta-garrafas e o mictório, e eles agora o admiram por sua beleza estética”. É importante observar o contexto, Duchamp foi figura seminal, mas a estética eternamente desencorajada perde qualquer relevância. Na década de 1910, em meio a tantos uivos da arte moderna, a sua ruptura era fundamental. Nos anos 1950, a redescoberta da estética se torna importante, definindo boa parte dos caminhos da arte contemporânea.

O que assuta em Duchamp é a proximidade. Infelizmente ainda é cultura dominante que a arte precisa manter um abismo entre obra e espectador. Talvez a grande questão dos Novos Realistas, tanto os franceses quanto os norte-americanos, foi a retomada da distância na arte realizada a partir do cotidiano. Mas era uma distância que exigia atividade do espectador.

Duchamp foi um cara que em certo momento fez questão de buscar elementos que provocassem, nas suas próprias palavras, umaindiferença visual. Os Novos Realistas partiram de Duchamp para tentar unir o olho e a cabeça. São conversas: não precisam estar abraçadas para instigar.

FONTE

http://freakiumemeio.wordpress.com/category/artes-visuais/

Cores e Nomes PAULO VARELA

2011-11-06T08:12:00.000-08:00

Duas De Minhas Palavras ( Lidiane Blanch3tT)

2011-11-04T06:50:00.000-07:00

Seria eu um ser egoísta

Quando anseio a su’aura pra mim?

Pra minh’alma não branda?

Um dia a vi de relances,

Sua linda pele...

E como quis interromper o tempo,

O sopro daquele vento arquiteto

E prender-te a justiça.

Mas seria eu injusta quando assim bem agisse?

Pois estava inconsolável seu riso

E expressivas as suas mãos.

Havia algo de inocente,

Além da inocência em seu arrumar de cabelo.

Talvez fosse minha contemplação,

Quem sabe,

Os murmurinhos de artérias eufóricas.

A tanto perturbei a alvorada,

Resmungou a sombra de uma doce árvore enciumada

Que também deixara apaixonar-se.

Contudo, tornei-me compreensível...

És do céu a esplendida inspiração.

Pessoas felizes reduzem risco de morte em até 35%

2011-11-03T07:59:00.000-07:00

Embora nosso blog seja destinado a falar sobre arte, sempre que surge uma boa noticia, vale a pena postá-la, esta é um exemplo claro de que vale a pena ser feliz.

Um estudo publicado no Proceedings of the National Academy of Sciences revelou que a felicidade pode ser a chave para uma vida longa, ou pelo menos mais longa do que se teria sem ela. A análise foi liderada por um cientista da University College London, no Reino Unido. A pesquisa acompanhou 3.800 pessoas entre 52 e 79 anos durante cinco anos. Outros estudos analisaram a felicidade e a longevidade dos indivíduos baseando-se apenas em perguntas sobre o estado emocional de cada um. Já a nova pesquisa pediu aos participantes que classificassem os seus sentimentos de felicidade e ansiedade em diferentes pontos ao longo do dia.

Os pesquisadores alertam que o estudo não mostra uma relação de causa e efeito entre a felicidade e a longevidade, mas, sim, que a felicidade momentânea pode estar relacionada a processos biológicos ou fatores comportamentais que podem explicar a sobrevida de muitas pessoas. Felicidade reduz o risco de infartos Outro estudo, feito com mais de 1,5 mil pessoas no Canadá, mostra que a felicidade ajuda a blindar a saúde do coração. Pesquisas mais antigas mostravam que raiva e hostilidade, por exemplo, favoreciam os problemas cardiovasculares. Sintomas negativos como raiva, depressão e hostilidade aumentam as chances de alguém sofrer um infarto ou um derrame.

Este novo estudo, no entanto, quis enxergar qual é o impacto de bons sentimentos. Os resultados mostraram que as pessoas mais alegres têm 22% menos chances de desenvolver um problema cardíaco num período de 10 anos em comparação às pessoas com sentimentos neutros. Mesmo quando pessoas felizes estavam em depressão, os efeitos positivos ao coração eram mantidos. Enquanto pessoas negativas tinham mais chance de desenvolver um problema cardiovascular. De acordo com os pesquisadores, são os fatores associados à felicidade que protegem o coração, como hábitos mais saudáveis, predisposição genética e impactos psicológicos que reduzem os níveis de estresse.

FONTE

http://yahoo.minhavida.com.br/conteudo/14178-pessoas-felizes-reduzem-risco-de-morte-em-ate-35.htm#

História da arte - Barroco

2011-11-01T21:31:00.000-07:00

Caravaggio - Velazques - artemísia - Aleijadinho

Masaccio

2011-10-31T21:24:00.000-07:00

Masaccio (21 dez 1401 - Outono 1428), nascido Tommaso di Ser Giovanni di Simone , foi o primeiro grande pintor do Quattrocentoperíodo do Renascimento italiano . De acordo com Vasari , Masaccio foi o melhor pintor de sua geração por causa de sua habilidade em recriar figuras realistas e movimentos, bem como uma sensação convincente de tridimensionalidade.

O nome de Masaccio é uma versão humorística da Maso (abreviação de Tommaso), que significa "desajeitado" ou "messy" Tom. O nome pode ter sido criada para distingui-lo de seu principal colaborador, também chamado de Maso, que veio a ser conhecido como Masolino("Tom pequena / delicada").

Apesar de sua breve carreira, ele teve uma profunda influência sobre outros artistas. Ele foi um dos primeiros a usar perspectiva linear na pintura, empregando técnicas como ponto de fuga na arte pela primeira vez. Ele também afastou-se do gótico internacional estilo e ornamentação elaborada de artistas como Gentile da Fabriano para um modo mais naturalista que empregava perspectiva e chiaroscuropara maior realismo .

Os primeiros trabalhos atribuídos a Masaccio são os San Giovenale Tríptico (1422) ea Virgem eo Menino com Santa Ana (Sant'Anna Metterza) (c. 1424) na Uffizi .

O retábulo San Giovenale só foi descoberto em 1961 na igreja de San Giovenale em Cascia di Reggello, que é muito próximo à cidade natal de Masaccio. Ela representa a Virgem eo Menino com anjos no painel central, Santos.Bartolomeu e Blaise no painel esquerdo, e Santos. Juvenal (ie San Giovenale) e Anthony Abbot no painel direito. A pintura perdeu muito de seu enquadramento original, e sua superfície é muito abrasiva. No entanto, a preocupação Masaccio para sugerir a tridimensionalidade através de figuras volumétricas e formas abreviado (um renascimento da abordagem de Giotto, em vez de uma continuação de tendências contemporâneas) já está aparente.

O segundo trabalho foi talvez a primeira colaboração de Masaccio com o artista mais velho e já conhecido, Masolino da Panicale (1383/4-c. 1436).As circunstâncias da colaboração de 2 artistas não são claras, já que Masolino era consideravelmente mais velho, parece provável que ele trouxe Masaccio sob sua asa, mas a divisão das mãos na Virgem e Menino com Santa Ana é tão marcante - Masolino Acredita-se que pintada a figura de Santa Ana e os anjos que seguram o pano de honra atrás dela, enquanto Masaccio pintou a Virgem eo Menino mais importante em seu trono -. que é difícil ver o artista mais velho como a figura de controle na esta comissão Masolino de figuras são delicadas, graciosas e um pouco plana, enquanto Masaccio são sólidos e robustos.

Masaccio influenciou profundamente a arte da pintura na Renascença . De acordo com Vasari, todos os pintores florentinos estudaram seus afrescos extensivamente, a fim de "aprender os preceitos e regras para a pintura bem". Ele transformou a direção da pintura italiana, movendo-o longe as idealizações da arte gótica, e, pela primeira vez, apresentando-a como parte de um mundo mais profundo, natural e humanista.

Algumas Obras

FONTE

http://en.wikipedia.org/wiki/Masaccio

Eu, Insecto esculturas de Mike Libby

2011-10-31T18:21:00.000-07:00

Escaravelhos, abelhas, gafanhotos, borboletas, aranhas, escorpiões - se os dispensa vivos, talvez consiga apreciar-lhes a beleza bem guardados dentro duma câmpanula de vidro, como máquinas antigas num museu que tanto é de arte, como de história natural, como de engenharia.

Em muitos filmes de ficção científica, esta é a concretização de um dos maiores pesadelos humanos: insectos-robots. Criaturas que juntam uma anatomia natural ultra-resistente ao poder potencialmente destrutivo da tecnologia (neste caso, nas mãos - ou antes, nas patas - erradas). O pesadelo fica completo quando lhe acrescentamos o medo irracional de muitos de nós perante estas pequenas criaturas.

Mas aqui não se trata de enxames assassinos vindos de Marte para nos destruir, nem dos tripods da Guerra dos Mundos: estes são espécimes frágeis, reais, naturais, solitários, que o artista Mike Libby transforma, equipando-os com pequenas peças mecânicas que lhes dão este aspecto cibernético.

É uma oportunidade para confirmarmos que há insectos espectacularmente bonitos. Escaravelhos luminosos, borboletas exibicionistas, libélulas elegantíssimas - e até as mais modestas abelhas ou os gafanhotos. Os insectos, um dos motivos recorrentes na delicada arte japonesa, deixaram escola também, por exemplo, na Arte Nova ocidental. Ainda assim, encarar um insecto real como uma obra de arte não é para todos.

A ideia de equipar os insectos com peças mecânicas surgiu a Libby há alguns anos, depois de ter encontrado um escaravelho morto. A beleza do animal e a forma como as suas várias partes se articulavam foram o ponto de partida para este trabalho: Libby esvazia os insectos (no caso dos escaravelhos) e cola no seu interior pequenas peças dos mecanismos de relógios, mas também de componentes electrónicos e até de máquinas de costura e outros aparelhos.

Um trabalho de minúcia que resulta nestas criaturas a meio caminho entre uma jóia e um aparelho de alta precisão. No caso de animais como borboletas ou abelhas, as peças são coladas no exoesqueleto do animal. Não ficamos com insectos a funcionar movidos a corda, mas a sugestão do mecanismo e das suas possibilidades está lá.

Mas porquê os insectos? Libby diz-nos, em entrevista por email, que em criança nunca coleccionou insectos e que “nem os insectos nem a cibernética surgem em nenhum do meu trabalho anterior”. Sobre o que o motiva, acrescenta: “Faço isto há tanto tempo que às vezes me esqueço do porquê. Em parte é o desafio, é um trabalho de facto complicado, sobretudo numa área tão pequena, mas se funcionar do ponto de vista visual, é aí que está a gratificação. Também gosto de fazer as pessoas parar e prestar atenção, e usarem a sua própria imaginação”. E qual a relação deste InsectLab com os outros projectos artísticos de Libby? “ O InsectLab permite-me fazer uma coisa conhecida, fazer alguma coisa a partir de bichos mortos e relógios partidos, mas o meu outro trabalho é muito mais aberto. Há alguns temas de história natural em que os projectos se cruzam, bem como o processo de reconciliar e fazer corresponder coisas que se calhar não combinam de forma muito fácil (ou demasiado fácil!)”.

Libby trabalha com animais que lhe chegam de todo o mundo, muitos deles através de vendedores de insectos (é verdade, existem mesmo). Preparar um destes bichos pode demorar entre 2 dias e 2 semanas, e o artista geralmente trabalha em vários ao mesmo tempo. “As aranhas e as libelinhas são as mais difíceis”, afirma.

A Libby interessa a fusão entre aspectos aparentemente distantes: a forma orgânica, natural, dos animais aliada à tecnologia é um fio que nos liga tanto ao passado quanto ao futuro.

Sabemos que os insectos estão na Terra há mais tempo do que nós, e provavelmente ficarão por cá depois de os seres humanos e os outros mamíferos terem desaparecido. Esta resistência, ampliada pelas capacidades tecnológicas, e a ideia de que os insectos - sobretudo os que agem de forma organizada - podem dominar o mundo é um fantasma que ecoa nas nossas mentes.

Dum ponto de vista mais científico, muita engenharia tem procurado inspiração e pistas nos insectos - estudando o seu movimento e o seu design à procura de soluções para problemas tecnológicos, sobretudo os que estão relacionados com o voo.

Os insectos de Mike Libby já estiveram expostos em várias galerias e podem ser comprados directamente ao artista, através do contacto por email. Libby também aceita encomendas específicas. Os seus clientes, diz-nos, são pessoas de todo o tipo, que “simplesmente gostam de sentir este fascínio”.

CTRL-c / CTRL-v (Renato e seus Blues Caps)

2011-10-30T17:18:00.000-07:00

Grupo formado no final dos anos 50 pelos irmãos Renato, Edson e Paulo César, jovens moradores do bairro da Piedade, no Rio de Janeiro, com o nome Bacaninhas do Rock da Piedade. O primeiro nome foi censurado e o radialista Jair de Taumaturgo sugeriu o nome definitivo, inspirado no conjunto norte-americano Gene Vincent And His Blue Caps.^[1] Tocaram no rádio e em programas de televisão, como Os Brotos Comandam, da TV Rio, apresentado por Carlos Imperial. Gravaram o primeiro compacto em 1962 e se notabilizaram principalmente pelas versões que faziam de músicas de língua inglesa (a maioria britânicas), como "Menina Linda", versão de "I Should Have Known Better", "Até o Fim", versão de You Won't See Me" (ambas deLennon/McCartney) e "Escândalo", versão de "Shame And Scandal In The Family" (Donaldson/ Brown). Já em 1963 Edson saiu do grupo e iniciou carreira solo com o nome Ed Wilson. Foi substituído por Erasmo Carlos, que teve uma participação breve no grupo. Tornaram-se um sucesso se apresentando no programa Jovem Guarda, em shows, festas e bailes. Em 1966 apareceram em dois filmes: Na onda do iê-iê-iê (p&b) e Rio, Verão & Amor (colorido).

Renato teve composições gravadas por outros artistas, como Roberto Carlos e Leno e Lilian. O grupo era formado por Renato Barros, voz; Erasmo Carlos, substituto de Edson Barros, voz; Carlinhos, guitarra; Tony e mais tarde Gelson, bateria; Paulo César Barros, baixo; e Cid, saxofone.

FONTE

http://pt.wikipedia.org/wiki/Renato_e_Seus_Blue_Caps

CRIANÇAS ORIENTAIS TOCANDO VIOLÃO

2011-10-26T09:43:00.000-07:00

Como essas crianças são de país de 1º mundo, nascem numa cultura que proporciona disciplina e que os talentos se mostram claros... pra gente, esse vídeo impressiona, isso , pelo fato de as nossas crianças ouvirem desde o berço, hits como rebolation, dança da motinha, créu entre outras "pornofonias" contemporâneas. Mesmo assim tirei meu chapéu!

XV Encontro Nacional de Estudantes de Arte - ENEARTE

2011-10-20T17:53:00.000-07:00

No período de 23 a 29 de Outubro de Dois mil e 11.

Com muuuita coisa bacanan, em todas as lingaguens artisticas: dança, teatro, artes visuais, cinema,performance, literatura, circo, produção cultura + palestras, oficinas, minicursos, mesas redondas, grupos de intervenções, apresentações culturais, shows... e mais uma ruma de coisa! sem contar gente do brasil todo misturado num só lugar. Produzindo, criando, fazendo e compartilhando ARTE !Este ano trabalharemos sobre a temática; 15 anos de ENEARTE: CALDEIRÃO DE IDENTIDADES. Só misturando pra ver no que isso vai dar!

Inscrições no,blog: www.xveneartenatal.blogspot.cominformações: xvenearte@gmail.comfacebook: Enearte Nataltwitter: @eneartenatalyoutube: xveneartenatal

03: Mostra Gira Dança

2011-10-13T13:51:00.000-07:00

3ª Mostra Gira Dança

Desde 2009 a Mostra Gira Dança vem se firmando no calendário da produção de dança na cidade de Natal/RN, produzido pelo Ponto de Cultura Giratório a 3ª Mostra Gira Dança vem se concretizando para novas realizações artísticas e promovendo intercâmbios para um melhor conhecimento nas produções em dança.A companhia Gira Dança traz no primeiro dia da mostra coreografias do seu repertório e experimentos inéditos, promovendo a continuidade de suas pesquisas levando ao público a troca de idéias para o seu novo espetáculo, , e no segundo dia a Art´facto Companhia de Dança da cidade de Pendências/RN apresenta o espetáculo "O Sertão Sou Eu", com direção artística de Dionlenes Dias, concepção e direção coreográfica de Anderson Leão e criação de Álvaro Dantas, Anderson Leão e Wellington Silva, fruto de uma parceria entre as duas companhias desde 2008, e recentemente contemplado pelo BNB de Cultura.

Kim Joon - Body art

2011-10-13T08:05:00.000-07:00

Esqueçamos as negras tatuagens no braço, no ombro ou no peito. O artista coreano Kim Joon usa-se do corpo todo e das mais variadas cores. E vai mais além: agrupa corpos masculinos ou femininos entrelaçados em posições sensuais sobre os quais desenha padrões contínuos que os fundem numa massa corporal única, subjugados pelo desenho e pela cor!

Apesar do seu estilo denunciar um cunho vincadamente oriental, Joon não se limita aos costumeiros dragões e serpentes. Ao invés, qualquer material lhe serve como padrão pictórico, sejam motivos florais, logótipos de marcas comerciais ou comics do Superman, cujo potencial gráfico é enorme e é inteligentemente explorado pelo artista.

Obra original e, ousamos dizê-lo, profundamente humana...

Link

Veja todas as imagens deste artigo e muitas outras na galeria abaixo

Porque há tantos nus na Arte?

2011-10-13T08:01:00.000-07:00

Amedeo Modigliani - Nu vermelho (1917).

A nudez sempre foi muito apreciada na Arte. É provável que tal facto fique a dever-se mais ao seu cariz sexual, eco distante da nossa natureza animal, do que a questões estéticas - a beleza. No entanto é inegável que as representações de nus proliferam na Pintura, na Escultura ou na Fotografia. Será que o corpo humano é intrinsecamente belo ou todos nós - artistas incluídos - somos voyeurs compulsivos?

A questão é complexa e foi já por várias vezes aqui abordada. A linha que demarca a arte erótica da pornografia é ténue e a nossa predisposição genética para achar belo o género que nos atrai sexualmente - homem ou mulher - acaba por nos toldar ainda mais o raciocínio e o sentimento. Não sabemos se o que realmente gostamos é da composição, da forma, da cor, do ritmo, do contraste, ou do(s) modelo(s) propriamente dito(s). As nossas reacções são então simultaneamente curiosas e reveladoras.

Quase sempre o senso comum tem uma de duas atitudes perante a representação do corpo humano nu: ou o condena, apodando-o de indecente, ou lhe confere o estatuto de Arte. Esta segunda posição é a que nos interessa; apenas na aparência é mais culta e com frequência mascara ignorância e o receio de a mostrar perante os outros.

Praxiteles - Afrodite de Cnido (séc. IV a. C.); Policleto - Doríforo (séc. V a. C.)

As primeiras representações de nus com uma finalidade estética surgiram na Grécia Antiga. É preciso relembrar a grande proximidade, para não dizer coincidência, entre aquilo a que então se chamava Arte e a Religião. A Mitologia grega era composta por figuras antropomórficas, seres perfeitos que o Homem tentava igualar. Esta busca pela perfeição levou à instituição de um verdadeiro culto do corpo de proporções ideais que as esculturas de Fídias, Praxíteles e outros artistas plasmaram no mármore e no bronze. Nunca, desde então, se assistiu a outra representação de um nu com estes propósitos tão "puros" - Arte verdadeira.

Não obstante o nu continuou a preencher uma quota importante das temáticas utilizadas pelos pintores, escultores e, mais recentemente, pelos fotógrafos com todas as implicações trazidas pelo realismo próprio da fotografia. A uns interessa-lhes o jogo formal proporcionado pelas linhas ondulantes dos corpos; a outros o significado.

Giorgione - Vénus adormecida (1510)

Nan Goldin - Joana Topless at the Chateau le Bastion (2000)

Porém há uma dimensão da obra de arte que se reveste de um carácter sensual na acepção original do termo, ou seja, a percepção e estimulação dos sentidos. Não há artista que se preze que não deseje fazer vibrar o seu público. E que melhor meio para isso, então, do que o corpo humano nu? Os artistas sabem-no bem, como sabem também que a Arte deve ter sexo... e nexo.

A Fotografia de Rua: a alma dos distraídos

2011-10-06T20:05:00.000-07:00

A fotografia de rua capta basicamente o que há de mais comum: os pequenos momentos. Os pormenores do cotidiano, aqueles a que ninguém dá muita confiança, nem se lembra, muito menos se importa. Uma mulher pensativa com sua sacola de compras a atravessar a rua, um casal de jovens a olhar uma vitrine, amigos que se encontram nas esquinas. Apenas detalhes.

Há pessoas que passam a vida toda ao nosso lado e não conseguem perceber nossa essência, muito menos a essência de certas particularidades. Porque não percebem esses detalhes, essenciais detalhes. Não captam, não intuem. Não vêem a gravidade ou a beleza das coisas se elas não estiverem evidentes. Por outro lado, há pessoas, nem tão próximas de nós, que conseguem observar estes detalhes de algum nosso momento, conseguem captar a alma de algumas nossas circunstâncias, de alguns lugares, das coisas, das horas. E o fazem por não estarem distraídos nas expressões, nos olhares e nos modos de andar alheios. E o fazem porque gostam dos outros a ponto de os outros não os aborrecerem de tédio quando estão a praticar as atividades mais comuns.

É o caso do aposentado britânico Bill Harris - apaixonado por captar esses pequenos grandes momentos, tão comuns no dia-a-dia, mas tão raros nas percepções. Bill sempre gostou de pessoas - particularmente, de observá-las. É do tipo que senta em um banco de praça, ou de um shopping, e fica o dia todo apenas a observar quem por ele passa.

Conta que sua mente faz composições, monta e arranja cenas. Vê sempre tudo enquadrado, como se seus olhos fossem uma câmara. Então começou a fotografar todas aquelas desatenções, todas as coisas que passam despercebidas.

O que Bill faz é a chamada fotografia de rua, um método um tanto despretensioso, mas original por causa da espontaneidade das fotos. Sem composições padronizadas, se criam imagens a partir do quase nada. Tudo o que se tem é o que se vê. E é excitante justamente porque é algo que não podemos controlar, como o movimento, os ângulos ou a luz. Talvez seja o método em que mais se precisa da velha e boa intuição. Ou devo dizer talento?

Na fotografia de rua, a única coisa que podemos controlar é a lente e o momento do clique, nada mais. A fotografia de rua nem dá margem para uma escolha do fotógrafo acerca do quê fotografar. Ele simplesmente fotografa porque as coisas estão acontecendo naquele instante. E a escolha do instante de fotografar é muito mais um sentimento do que uma escolha.

Obviamente, para um bom resultado é fundamental que se tenha uma câmara boa e rápida. Isso significa evitar atraso entre a pressão e o clique do botão do obturador. Se a câmara é rápida, então se consegue exatamente a imagem desejada e não o que aconteceu um décimo de segundo depois.

A essência da fotografia de rua é captar os momentos, e os momentos acontecem em um piscar de olhos, às vezes literalmente. A fotografia de rua eterniza sutilezas que durariam apenas um segundo. E já há muito se diz: os pequenos momentos....não há nada maior do que eles, não?

Mais fotografias de Bill Harris podem ser conferidas neste site.

Menino By(Lidiane Blanch3tT)

2011-10-06T20:02:00.000-07:00

Estais aí num sentido pleno...

Transbordando inocência, pequenino...

Saltitando e correndo pelo terreno...

Ah, pobre, pobre menino!

Teus pés sujas de lama...

Despenteia teu cabelo fino...

Teu desejo inflama...

Ah, pobre, pobre menino!

Teu brinquedo é de gente grande,

Mas teu segredo é divino...

Não corra, apenas ande...

Ah, pobre, pobre menino!

Estas roupas causam frio

Em teu atento destino...

Porém, a ti sorrio,

Ah, belo, belo menino!

OaKoAk :Arte urbana vinda de França

2011-10-06T19:46:00.000-07:00

Pegando em temas quotidianos como Chuck Norris, Susan Boyle, Calvin e Hobbes, Wally e Sonic, OaKoAk é um artista urbano francês que se destaca pelas suas imagens joviais e pelo humor simples. Vandalismo ou reclamação do espaço público? Seja como for, há muito que a arte urbana deixou de ser um tema marginal da cultura popular.

Quer seja através do graffiti, do stencil, de autocolantes ou de outras técnicas mais inovadoras, a arte urbana já ganhou um espaço na cultura popular e muitos são os artistas ligados a ela: todos nós já nos deparámos com um mural na rua e Banksy é um nome que anda nas bocas do mundo.

Normalmente anónimos, eles desafiam os conceitos da arte e da propriedade privada, construindo e expondo as suas obras em contextos nos quais não estamos tão habituados a ver arte: fora dos museus e das galerias. Berlim, Londres, Bristol, Buenos Aires, São Paulo, Paris e Sofia são algumas cidades famosas pelas manifestações daqueles que reclamam o espaço público e que querem entrar em contacto directo com o espectador.

Questionando o convencional e usando uma linguagem própria, este tipo de artistas comunica tanto temas do dia-a-dia e da cultura popular como problemas sociais graves. O tom irónico é quase uma constante neste tipo de intervenções e OaKoAk não foge à regra. Sem nenhum passado artístico, as suas intervenções caracterizam-se pela união com o meio envolvente e o uso de desenhos da nossa memória colectiva.

Para o artista, tudo começou em 2006 quando entrou em contacto com os trabalhos de Banksy, Monsieur Chat e os brasileiros Gémeos e 6EMEIA. Os videojogos dos anos 80 e 90 também foram uma grande inspiração para OaKoAk, tal como o humor dos Simpsons e de Seinfeld.

Para se inspirar, procura sempre novos lugares. As suas obras podem ser encontradas não apenas em França (seu país natal), mas também nos locais para onde viaja. As cidades mais premiadas com as suas obras são Paris, Saint Etienne, Marselha e Lyon.

Até ao final de 2011 Oakoak espera editar um livro e para 2012 o grande objectivo é abrir uma exposição dentro de portas.

Visite o site e facebook de OakoAk.

Fonte:

http://obviousmag.org/archives/2011/09/oakoak_arte_urbana_vinda_de_franca.html

O Sertão Sou Eu

2011-10-06T19:32:00.000-07:00

O Espetáculo Sertão Sou Eu, foi contemplado, com o programa BNB de cultura, onde solidificou a parceria entre a companhia de dança Art'facto de Pendências/RN e a Companhia Gira Dança de Natal/RN fundada em 2005. A Cia Gira Dança estabelece essa parceria de assessoria artística ao grupo desde, 2009, Gerando mais visibilidade e oportunidade a produção em dança contemporânea do interior do estado.

Uma semana de música pura ( Semana da Música 2011)

2011-10-06T17:19:00.000-07:00

Por Yuno Silva - repórter

Certamente, onde quer que estejam, Tonheca Dantas, K-Ximbinho, Waldemar e Hianto de Almeida - principais nomes do RN ligados à música erudita - devem estar sentindo as vibrações da edição 2011 da Semana da Música. Realizada pela Escola de Música da UFRN há mais de duas décadas, para apresentar a produção musical de alunos e professores, esta é a primeira vez que a iniciativa extrapola os muros da academia com musculatura suficiente para transformar Natal na capital brasileira da música clássica entre os dias 7 e 15 de outubro.

A assertiva não é nenhum exagero, pois a cidade entra definitivamente no calendário nacional com uma vasta e intensa programação que recebe 28 profissionais renomados nos circuitos nacional e internacional, além de agregar participantes de 16 estados do País.

As mais de 60 apresentações, todas gratuitas, irão se espalhar por escolas, shoppings, bares, casa de shows, universidades, abrigo de idosos e sede de projetos sociais da capital potiguar. A abertura acontece nesta sexta-feira (7), às 19h, no Norte Shopping, zona Norte.

O evento amplifica ações que vão desde encontros, duetos em sinfonias, sonatas, big bands e intercâmbio sonoro entre profissionais, estudantes e crianças (Semaninha Musical, com oficina de instrumentos)."Com essa ampliação, a Semana da Música se consolida e ganha projeção nacional. Sem dúvida estamos vivendo um momento histórico", disse o professor Cipriano Maia, pró-reitor de Extensão da Universidade Federal, durante entrevista coletiva realizada na manhã de ontem na EMUFRN. Para o professor Zilmar Rodrigues, diretor da Escola de Música, é fundamental extrapolar os muros da universidade e ficar mais próximo da comunidade. "Finalmente estamos inseridos na agenda cultural da cidade", comemora.Alicerçada em três eixos pedagógicos: oficinas itinerantes (master-classes) destinadas à alunos já iniciados; palestras abertas ao público; e atividades voltadas para crianças terem os primeiros contatos com a música durante a Semaninha de Música, o projeto investe não só na parte prática e teórica, mas, sobretudo e principalmente, na formação de plateia. "Temos que considerar o legado intangível que a Semana da Música deixará para o público. Emocionar-se com música clássica é como ver neve pela primeira vez, uma sensação pode deixar marcas pelo resto da vida", aposta Amandy Araújo, coordenador da Semana da Música, professor universitário e músico. "A socialização do conhecimento é item fundamental para a consolidação do projeto", acredita Zilmar.Questionado se há público para música clássica em Natal, o violoncelista e professor Fábio Presgrave, coorden

ador artístico do evento, diz que tudo depende da oportunidade de acesso: "Um bom exemplo é o comparecimento em peso do público desde a reestruturação da Orquestra Sinfônica da UFRN. Falta o público ser provocado", garante.Orçada em R$ 265 mil, a Semana da Música conta com patrocínio da Petrobras, através da Lei Rouanet de Incentivo à Cultura, e da Secretaria de Ensino Técnico do Ministério da Educação - SETEC/MEC.ConvidadosA programação foi discutida junto aos estudantes e professores da Escola. "Cada um trouxe um nome de relevância artística e pedagógica", disse Fábio Presgrave, coordenador artístico. Ele cita o exemplo de Darrett Adkins, é professor titular da Julliard School - a principal escola de música do mundo. "É raro a presença de qualquer professor da Julliard em festivais no Brasil, imagine em Natal. A oportunidade é única",disse. Há professores das tradicionais escolas de música de Michigan, da Carolina do Sul. "Guillaume Bourgogne (diretor musical da Camerata Aberta e co-diretor artístico do grupo Cairn, de Paris) é convidado com frequência a eventos musicais em São Paulo.Mas não em Natal. Então procuramos mesclar essa importância artística e pedagógica". A Semana da Música será aberta com apresentação da Orquestra Sinfônica da Escola de Música da UFRN no Norte Shopping (Zona Norte de Natal). Nos seguintes, sábado e domingo, recitais acontecem nos projetos sociais Conexão Felipe Camarão, Amico, Casa do Bem e Instituto Juvino Barreto. Segunda e terça-feira, os recitais estacionam no auditório da Escola de Música da UFRN. Na quarta-feira tem início o Circuito Cultural Ribeira, com apresentações em seis casas de show do bairro da Ribeira. Entre quinta-feira e sábado, os recitais voltam à Escola de Música e encerram com concerto da Big Band formada pelos alunos das oficinas realizadas durante o evento.

Entre os concertos abertos ao grande público, haverá uma noite francesa. Será no sábado, dia 8. A parceria com a Aliança Francesa permitiu a realização de um recital-conferência com o pianista francês Philippe Cassard. PROGRAMAÇÃO / O QUE ASSISTIR DE GRAÇA» Sexta, 719h - Orquestra Sinfônica da UFRN, no Norte Shopping. Temas: Dimitri Cervo, Grieg, Willames Costa e Tonheca Dantas» Sábado, 820h - Recital pianista Phillippe Cassard - com obras de Schubert, no auditório da Escola de Música, em parceria com a Aliança Francesa» Segunda-feira, 1020h - Recital com Paulo Martelli, Sérgio Barrenechea, Elione Medeiros, Luiz Garcia, José Medeiros, Luis Caldana, Nailson Simões e Durval Cesetti interpretando obras de Schumann, Villa-Lobos, Bach, Nogueira e Ewazen, no auditório da EMUFRN» Terça-feira, 1120h - Recital com o clarinetista D. Ray McClellan, Renato Bandel, Eliézer Rodrigues, Pedro Gadelha, João Luis Areias, Jorge Helder, Bruno Mangueira, Heleno Feitosa e Regiane Yamaguchi e Benjamin Sung. Obras de Bruch, Penderecki, Franck, Stojowski, Bottesini e Cook, no auditório da Escola de Música, UFRN» Quarta-feira, 12Edição especial do Circuito Cultural Ribeira- Casa da Ribeira, às 16h e 18h: O Sapo e a Princesa (musical infantil)- Centro Cultural DoSol, às 18h30 Grupo Acorde (vocal); e 19h30 Nosso Choro- Nalva Café Salão, às 17h Trio de Violões Sobressalto; e 19h30 Potiguar Sax Quarteto - Buraco da Catita, às 17h30 Boa Idéia Trio (guitarra, trombone e percussão); e 19h atrás da Cantina (guitarra e xilofone)- Armazém Hall, às 18h30 Percumpá (percussão); e 20h30 Jerimum Jazz (big band) e convidados- Solar Bela Vista, às 17h Duo Riedel-Cesetti (piano e canto erudito); e 18h Rafael dos Santos e convidados» Quinta-feira. 1320h - Recital com D. Ray McClellan, Darrett Adkins, Martha Sheil, Eduardo Monteiro, Sergio Barrenechea, John Hollenbeck,Jorrit Dijkstra, Durval Cesetti e Regiane Yamaguchi. Obras de Carter, Debussy, Mussorgsky, Wagner, Liszt e Mignone, no auditório da EMUFRN» Sexta-feira, 1420h - Orquestra da Semana da Música, no auditório da EMUFRN. Regência de Giullaume Bourgogne e obras de Debussy, Roussel, Ravel, Combier, Dukas, Berlioz» Sábado, 1520h - Big Band da Semana da Música, no auditório da EMUFRN. Regência de Vittor Santos. Grandes Sucessos da Música Instrumental* Os ingressos para os concertos realizados na Escola de Música da UFRN serão distribuídos com 30min de antecedência.NÚMEROS9 dias de evento60 recitais10 mil pessoas é o público estimado600 alunos participam das oficinas153 estudantes inscritos de outros Estados16 Estados participantes 18 músicos de renome nacional8 convidados internacionais.

Fonte

http://tribunadonorte.com.br/noticia/uma-semana-de-musica-pura/198187

Ballet de Londrina - A Sagração da Primavera

2011-10-06T09:10:00.000-07:00

Banda de crianças de oito anos toca Metallica

2011-10-06T08:26:00.000-07:00

A nova sensação da internet é a banda denominada 'Mini Banda'. A apresentação do vídeo deles aconteceu no festival da cerveja Bucklebury, na Inglaterra. As idades dos integrantes da 'bandinha' não passam de dez anos. E se você acha que já é demais, eles ainda tocam a música 'Enter Sandman', do Metallica.

Fonte:

Yahoo

http://br.omg.yahoo.com/blogs/podeisso/banda-crian%C3%A7as-oito-anos-toca-metallica-161450431.html

Analisando Banda Grafith. =)

2011-10-04T21:50:00.000-07:00

Numa comunidade do orkut, destinada a analisar a "obra" da banda Grafith, grupo "músical" de grande evidencia no estado, podemos perceber que pode se tirar "algo" nas suas letras até então sem sentido e voltadas para uma determinada "pornofônia" afim, somente de ganhar dinheiro no carnaval de Macau e cultivar a "boa" e salutar música popular "vida loka" potiguar , se assim posso denominar. Gostaria de postar algumas análises bem irônicas, humoradas e divertidíssimas sobre a canção Cemitério de 2009, sucesso estourado no carnaval do mesmo ano.

Eis a letra:

Cemitério

Duas almas se encontraram, traram, traram, traram

No portão do cemitério, tério, tério, tério

Ou mais que alma vagabunda, bunda, bunda, bunda

E vem de trás do bate-estério, estério, estério, estério

E o japonês virasse xanha, xanha, xanha, xanha

E com salve salpica, pica, pica, pica

Pegou a taça e agarrola, rola, rola, rola

E foi tomar banho de bica, bica, bica, bica

E o japonês virasse xanha, xanha, xanha, xanha

Comia peixe pirarucu, cu, cu, cu

E que na luta ele diz puta, puta, puta, puta

E começou tudo de novo, novo, novo, novo

Logo surgem as primeiras análises:

"Essa é muita ampla e poética para a minha simples limitação de entendimento, nem me arrisco." (Jessica)

"Essa música é um desafio pra qualquer entendedor." (Richardson)

"Apesar da grande complexidade desta obra-prima,perçebo q Grafith fala de globalização e da imigração japonesa no Brasil,note:"se o japones virasse xanha,comia peixe pirarucu..."O pirarucu (Arapaima gigas) é um peixe que é encontrado geralmente na bacia Amazônica, mais especificamente nas áreas de várzea, onde as águas são mais calmas. Costuma viver em lagos e rios de águas claras e ligeiramente alcalinas com temperaturas que variam de 24° a 37 °C, não sendo encontrado em zona de fortes correntezas e águas ricas em sedimentos.Este peixe é um dos maiores de água doce do mundo, e conhecido também como o bacalhau da Amazônia. Seu nome vem de dois termos indígenas: pira, "peixe", e urucum, "vermelho", devido a cor de sua cauda.Este é um peixe consumido principalmente no norte do país,o que podemos notar q com a universalização da cultura imposta pelos norte-americanos pós-1ª guerra,onde o consumismo se tornou status social,chegou em várias partes do mundo,em que orientais consomem comida brasileira,mulçumanos tomam vinho europeu e etc.A imigração japonesa no Brasil começou no início do século XX, através de um acordo entre o governo japonês e o brasileiro. Atualmente, o Brasil abriga a maior população japonesa fora do Japão com cerca de 1,5 milhão de nikkeis (em japonês: 日系, nikkeis?) (termo usado para denominar os japoneses e seus descendentes).A banda Grafith é uma aula de geografia,história,atualidades,que ainda naum é reconheçida internacionalmente,e que infelizmente alguns críticos ainda naum o reconheçem.Bem diferente de bandas que hoje em dia fazem apologia ao sexo,desvalorizam a mulher.Grafith tem letras inteligêntes,que nos fazem ter orgulho de ser brasileiro!!" (Artur)

"Parnasianismo puro!" ( Tiago Marcelino)

Eu diria que a musica é perfeita .... mas sabemos que perfeito eh pouko para esses grandes musicos ... com letras consistentes e uma criatividade impecavel faz pessoas chorarem e rir com suas letras ... e a parte ... "duas almas se encontraro"...putz perceba o dedo de xico xavier ai...nao estamos falando qualquer um eim! (Hugo)

A banda Grafith é aula de economia também, pois eles observam a oportunidade de exportação de peixes para o Japão, visto que o peixe, ambundante aqui no nosso país, é um produto bastante presente na culinária e importante na cultura daquele país. Brasil e Japão fortelecem relação comercial na exportação de pescado. Grafith pensa no desenvolvimento econômico! (Maíra)

"Percebe-se logo de início, que o autor faz uma alusão fictícia, ao inserir o elemento sobrenatural "alma".
O que mostra nitidamente o quanto o autor é profundo na momento de elaborar suas canções (me dá arrepios só de pensar...).
Logo em seguida, o autor simula um encontro subliminar entre almas, inserindo também o cenário em que isso ocorre (cemitério),
levando o público a imaginar toda a situação de modo bastante espontâneo e natural. No 3º verso, o autor apresenta seu senso de 'humor', fazendo uma ambiguidade, ao adjetivar a alma de "vagabunda", e fazer a rima da música repetindo as duas últimas sílabas da palavra (coisas de compositor), mas mesmo assim, não perde sua integridade, o autor faz graça, e mostra que não tem 'papas na língua' (Obs.: Isso acontece muito em músicas no estilo 'Rock'). O 4º verso, eu prefiro não comentar, pois infelizmente, não tenho tanta audácia quanto o compositor, para me expressar :|No 5º verso, o autor se associa à uma outra nacionalidade, supostamente pensando em seu sucesso internacional (que já está muito próximo), porém, não esquece da sua cultura, inserindo aspectos de sua nacionalidade, tal qual o peixe Pirarucu, encontrado na região Norte do país. E, por ser um país de população mestiça, o autor acaba mestificando também a cultura japonesa,, inserindo-a na cultura brasileira, e enxerga de forma poética a futura harmonia entre esta cultura e à do próprio país estimulando assim, a paz entre as nações, de forma esperançosa, procurando amezinar os conflitos sociais e o trabalho da ONU. O compositor, ainda estabelece o espírito de luta, e de alcançar seus objetivos anteriormente citados.Por fim, ele cria um ciclo vicioso: "E começou tudo de novo, novo, novo, novo", com o objetivo de ressaltar mais uma vez o que ele quis passar, e além disso, de repetir quantas vezes for necessário aquilo que todos nós PRECISAMOS ouvir. [...] *Não podemos esquecer que o autor também inova, acrescentando termos no nosso vocabulário, como "agarrola" (ou, agarrou-a: se referindo à taça)" (Lyah)

É óbvio que eu tinha que deixar meu comentário tambem!

simplesmente complexa

As vastas possibilidades de análise dessa obra impar, requer um estudo cientifico aprofundado nas didascalias intrissecas em suas nuances, pois há uma impossibilidade humana de interpretar de fato o que está proposto nessas "almas" até então desconhecidas pelas mentes limitadas de nóis humanos. (Fabinho Fernandes)

Fonte

Orkut

CONHECENDO Amir Haddad, (1937)

2011-10-04T15:58:00.000-07:00

Amir Haddad (Guaxupé MG 1937). Diretor e ator. Dirige grupos alternativos na década de 1970 fundamentando uma linha de trabalho significativamente pesquisada por essa geração: disposição não convencional da cena; desconstrução da dramaturgia; utilização aberta dos espaços cênicos; e interação entre atores e espectadores. Essa linha de pesquisa se sedimentará no seu trabalho como diretor a partir da fundação do Tá na Rua, em 1980, grupo que encabeça até hoje.

Sai de Rancharia, interior de São Paulo, em 1954, para estudar na capital. Em 1957, interrompe a Faculdade de Direito do Largo São Francisco, onde tem como colegas José Celso Martinez Corrêa e Renato Borghi, que o convidam para dirigir Cândida, de Bernard Shaw. Participa da criação do Teatro Oficina, trabalhando em A Ponte, de Carlos Queiroz Telles, e Vento Forte para Papagaio Subir, de José Celso Martinez Corrêa, ambas em 1958. Em 1959, ainda com o Oficina, participa, entre outras, de A Incubadeira, de José Celso Martinez Corrêa, que lhe vale seu primeiro prêmio de melhor direção.

Desligando-se do Teatro Oficina, segue em 1961 para Belém, no Pará, realizando uma série de trabalhos para a Escola de Teatro de Belém. Em 1965, o Teatro Universitário Carioca o convida para dirigir O Coronel de Macambira, de Joaquim Cardoso, e Amir acaba por permanecer no Rio de Janeiro. Lá é um dos fundadores do grupo A Comunidade, sitiado no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ, que se projeta em 1969 com o espetáculo A Construção, de Altimar Pimentel, atribuindo a Amir o Prêmio Molière de melhor direção. Em 1970, realiza mais dois espetáculos com o grupo: Agamêmnon, de Ésquilo, e Depois do Corpo, de Almir Amorim. No mesmo ano, ganha o segundo Molière, com O Marido Vai à Caça, de Georges Feydeau. Em 1972, no Rio de Janeiro, segundo o crítico Yan Michalski, "apenas um espetáculo de grandes méritos e força de personalidade salva a honra da temporada: Tango, fascinante fábula moral e política do polonês Slawomir Mrozec, que Amir Haddad dirigiu com alegre soltura, num tom que oscilava entre farsa rasgada e ópera bufa, mas sempre com um fogo de artifício de idéias diretoriais..."1 Tango é uma produção da atriz Tereza Raquel, em que Amir ganha o prêmio Governador do Estado de melhor diretor. Com o Grupo de Niterói, faz SOMMA, no Teatro João Caetano, 1974, espetáculo que continua as experimentações do A Comunidade, chamando a atenção por colocar a platéia no palco, adotando a improvisação como um dos motores fundamentais da cena. Em 1980, funda o Tá na Rua, fazendo apresentações de rua baseadas em cenas de criação coletiva. Em 1984 estréia com o grupo o espetáculo Morrer pela Pátria, de Carlos Cavaco, encenado por mais de três anos, contribuindo para a pesquisa de demolição da linguagem do teatro convencional do conjunto, que desemboca no seu trabalho de teatro de rua.

Realiza, também, trabalhos no teatro comercial, que lhe valem o Prêmio Shell por Se Correr o Bicho Pega, Se Ficar o Bicho Come, de Oduvaldo Vianna Filho e Ferreira Gullar em 1989; e o Prêmio Sharp, por O Mercador de Veneza, de William Shakespeare, em 1996. Dirige, ainda de Shakespeare, Noite de Reis, em 1997; e O Avarento, de Moliére, em 2000.

Como professor trabalha de 1961 a 1964 na Escola de Teatro do Pará, em Belém, e a partir daí a atividade docente é permanentemente exercida. De 1966 a 1973 dá aulas no Rio de Janeiro na Escola de Teatro da Federação das Escolas Federais Isoladas no Estado do Rio de Janeiro, atual Universidade do Rio de Janeiro, e entre 1965 e 1978 na Escola de Teatro Martins Pena. Trabalha na Formação do Núcleo de Teatro da Universidade do Estado do Rio de Janeiro, de 1992 a 1995, além de aplicar cursos em muitos eventos de artes cênicas no país e no exterior, sendo, inclusive, pedagogo convidado da Escola Internacional de Teatro Latino-Americano e Caribe, em Havana.

A partir da década de 1990, Amir aprofunda suas pesquisas de teatro de rua, fazendo diversas encenações de Cortejos e Autos pelo país, movimentando milhares de pessoas nessas encenações, tendo quase sempre presente alguns dos integrantes do Tá na Rua.

A capacidade de transitar com a mesma desenvoltura entre produções convencionais e megaespetáculos populares faz de Amir um diretor singular no cenário do teatro brasileiro contemporâneo.

Fonte
http://www.alexandreteatro.blogspot.com/

UFRN está entre as 100 melhores universidades da América Latina

2011-10-04T15:17:00.000-07:00

Geralmente O MARICAL se destina a discussões sobre arte, e a produção artística no âmbito profissional, amador no Brasil e no mundo. No entanto não posso deixar passar uma informação que cabe a mim enquanto estudante, esquivar-me do universo acadêmico que muito contribui pra minha formação. Enfim, gostaria de repassar uma boa noticia, desta vez, evidencio através do Tribuna do Norte uma informação salutar sobre nossa querida UFRN.

A Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN) foi classificada como a 97ª melhor universidade da América Latina, de acordo com o ranking do QS (Quacquarelli Symonds), do Reino Unido, divulgado nesta terça-feira (4). Para a elaboração do ranking, a QS atribuiu 50% da nota à notoriedade da instituição através de questionários entre renomados cientistas e empresários de todo o mundo, assim como ocorreu no ranking mundial, elaborado em setembro. Dessa vez, a diferença foi que o voto dos empresários valeram o dobro do que na eleição do mês passado. Outro quesito importante na escolha das universidades foi a quantidade de arquivos e páginas pertencentes à instituição que se encontravam na internet. A visibilidade desses arquivos também contou como critério de pontuação.

Entre as universidades brasileiras que merecem destaque, a USP, de São Paulo, atingiu a pontuação máxima (100) e ficou em primeiro lugar no ranking. A Unicamp (Universidade Estadual de Campinas) - em terceiro - e a UFMG ( Universidade Federal de Minas Gerais) - em décimo - também estão entre as dez melhores colocadas. O Brasil foi o país com maior número (31) de universidades entre as 100 primeiras, seguido pela Argentina, com 19. Para conferir o ranking completo, clique aqui.

Fonte
Tribuna do Norte
http://tribunadonorte.com.br/noticia/ufrn-esta-entre-as-100-melhores-universidades-da-america-latina/198177