SUSTENIDO E BEMOL: As notas que ampliam o conhecimento musical.

Sabemos que a musica se constitui como uma linguagem artistica que utiliza o som como base combina elementos físicos e culturais para transmitir ideias, histórias e emoções.

Mais acertivo ainda, é reconhecer que a teoria musical é a base para a simplificação do trabalho do músico. A partir do monento que passamos a entender as diferenças entre sustenido e bemol, por exemplo, abre-se a possibilidade de entender e ter maior entendimento de compreensão da harmonia, isto é, a lógica por trás dos acordes escolhidos para determinada música.

É fundamental perceber que as notas e os acordes sustenidos e bemóis têm funções importantes na composição: podendo na maioria das vezes, facilitar a passagem entre um acorde e outro. Em alguns casos, ajudam a trocar o tom da música, criando uma espécie de ruptura. Isso tudo, justifica a importancia de aprender o que são e como eles podem ser identificados nos instrumentos musicais.

Os símbolos gráficos do sustenido e do bemol são sempre escritos à esquerda da nota em uma partitura, mas à direita quando seu nome está escrito por extenso. Para identificar e encontrar as notas alteradas precisamos conhecer qual unidade mede a distância entre as notas musicais. 

A menor distância entre uma nota e outra na música ocidental é de um meio tom. Já se uma nota está distante da outra por dois meio tons, dizemos que ela está a um tom de distância, pois a soma de dois meio tons, é igual a um tom. Três meio tons são um tom e meio. Quatro semitons ou quatro meio tons são também dois tons e assim  por diante.

Nos instrumentos tonais utilizamos escalas, que são sequências ordenadas de notas que orientam o músico. Elas são dispostas em intervalos de tons e semitons, que representam a distância de uma nota para outra. Dessa maneira, entre as notas naturais que conhecemos (Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Si) existem os outras notas que contém acidentes musicais, que são os sustenidos e os bemóis.

Assim, podemos entender que as notas sustenidas ocorrem a partir das  7 notas naturais:

1. Dó
2. Ré
3. Mi
4. Fá
5. Sol
6. Lá
7. Si

Só que, no geral, existem 12 notas. E aí é onde as coisas começam a parecer complicadas:

1. Dó
2. Dó Sustenido
3. Ré
4. Ré Sustenido
5. Mi
6. Fá
7. Fá Sustenido
8. Sol
9. Sol Sustenido
10. Lá
11. Lá Sustenido
12. Si

Repare que, Mi e Si são as únicas notas que não têm a “versão sustenida”.

Nesse sentido, a distância intervalar alterada por um sustenido ou bemol representa um semitom (também chamado de meio tom) e a distância de dois sustenidos ou dois bemóis é equivalente a um tom. Dois sustenidos denominamos dobrado sustenido. Da mesma maneira, dois bemóis é um dobrado bemol.

Assim, se considerarmos determinada nota (como o Sol ou G), o sustenido é o som mais próximo a essa nota na direção dos agudos (no caso, formando o Sol sustenido ou G#). Já o bemol é a nota mais próxima na direção dos graves (formando o Sol bemol ou Gb).

Notas sustenidas localizadas no teclado.

Ou seja, toda vez que o sinal de sustenido (#) é acrescentado a uma nota ou acorde, significa que foi feita uma elevação em meio tom, ficando ligeiramente mais agudo. Inversamente, o bemol (b) indica que essa nota ou acorde recebeu uma redução de meio tom, tornando-o um pouco mais grave.

Notas bemois localizadas no teclado.

No violão, por exemplo, você sabe que a primeira corda está — na maioria das vezes — afinada em Mi. Seguindo a sequência da escala cromática, é possível identificar cada uma das notas ao longo do braço. Dessa maneira, na primeira casa está o Fá, na segunda o Fá sustenido e assim por diante.

Assim, notamos que ao compreender e posteriormente dominar o significado e as diferenças entre sustenido e bemol, o musico certamente estará mais próximo de alcançar os sons que busca nas suas composições, arranjos e transcrições de solos. Além disso, terá mais autonomia e liberdade para executar as músicas de sua preferencia e tambem quando for necesasario fazer improvisações. 

FONTES

https://www.encorda.com.br/sustenido-e-bemol/?srsltid=AYCX9vKEfGUIdoaz75Z5jpIDF94hi2SC7opzl-B_llglD_ZYv2OTMIS0

https://escaletosfera.com.br/2022/01/17/as-notas-alteradas-no-teclado/

https://faritmica.com/blog/o-que-e-sustenido-e-bemol/

MUSICA INCIDENTAL; A trilha sonora da emoção

Orquestra Sinfônica do Rio Grande do Norte (OSRN) — Foto: Brunno Martins

A musica é uma linguagem artistica muito importante nas sociedades pelo mundo, uma vez que ela se utiliza das funções fisicas da acustica (o som), para se propagar no espaço com forma, metrica e poesia. Muito além de uma forma de expressão artistica, a música ganha diversas conotações em sua maneira de coexistir. Entre esses formatos, podemos citar a música instrumental, que foca na performance dos istrumentos musicais, ou na música vocal que se destaca pelos timbres de voz e assim por diante.

Não seria diferente com a música incidental, aquela que a gente ouve fazendo plano de fundo com cenas de cinema, teatro ou uma outra encenação. Ela é responsável por acompanhar as peças , sendo muito importante com relação a ambiencia da obra executada.

O termo "música Incidental" é menos utilizado quando se trata de peças cinematograficas, pois em trabalhos alusivos a essa linguagem, frequentemente chama-se de música cinematográfica ou trilha sonora . A música incidental é com frequência chamada de "música de fundo" e cria um ambiente para a cena. Ela pode se incluir em obras que atraiam um maior interesse do público, e ainda pode ocorrer a necessidade de o/a cantor/cantora as apresentar ao vivo, dependendo do contexto da peça.

A origem da música incidental não pode ser estabelecida com certeza. É possível que remonte ao teatro da Grécia ou Roma antigas, mas não há evidências suficientes para sustentar tal afirmação.Vale ressaltar que termo "incidental" também pode ser usado quando uma música possui notas ou acordes que "coincidentemente" se encaixam com a de outra música, permitindo ser cantado trechos das letras simultaneamente, uma sobre a melodia da outra.

Trocando em miúdos, a Música incidental é composta para acompanhar ou realçar a ação ou o clima de uma apresentação dramática na cena criando  as transições necessarias entre partes da ação; ou para introduzir ou encerrar a apresentação. Pelo fato de ser escrita para aprimoramento de um meio não musical, a maior parte da música incidental causa pouco impacto no gosto do público. Porém algumas obras incidentais sobrevivem por mérito próprio, devido o grande sucesso em relação as obras que ela representou.

Ou seja, a musica incidental serve para criar o clima, ambientar a cena, acentuar emoções ou marcar a transição de momentos na narrativa. Sendo uma das principais geradoras de emoção, tensão nas peças, uma vez que a música tem o poder de conectar o expectador ao universo artistico representado com maetria, sendo uma linguegem indispensável no mundo das artes.

FONTE

https://www.britannica.com/art/opera-music

https://pt.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_incidental

ODISSEIA DE ÍCARO - Um filme gravado em Lajes dirigido pelo saudoso Geraldo Cavalcanti

Cena do filme experimental A Odisseia de ìcaro (2013) - Direção Geraldo Cavalcanti

À exatos 13 anos, mais precisamente em 2013. Fui convidado especial a compor o elenco de "A Odisseia de Ícaro", um filme produzido pelo projeto "Nós na Tela" que consistia na criação de gênerod de curtas (se ficção ou docudrama) nos quais o enredo era totalmente definido de forma coletiva, durante a realização das oficinas de direção, edição, câmera, fotografia, roteiro e direção de arte. O projeto em destaque que por sua vez tinha a coordenação e direção geral do saudoso cineasta potiguar Geraldo Cavalcante, que por sua vez era roteirista de seus filmes, que coordenou o Núcleo de Pesquisas Audiovisuais - IFCE/Quixadá, a Escola de Cinema do Sertão e o Festival de Cinema Sertão e Diversidade. Geraldo iniciou sua trajetoria artistica e formativa no grupo de teatro Boitatá. Carlos Tourinho foi uma das fontes de onde absorveu conhecimento, experiência, e aprimorou o seu estilo criativo de fazer cinema.

Geraldo Cavalcanti dirigindo uma cena durante o dia.

Geraldo tem em seu repertorio, filmes como  “A casa do doido Alexandre”, “The End”  e as “Almas Santas da Barragem”. Sem a menor sombra de dúvida, ter conhecido esse artista me trouxe boas referencias e tambem uma contrubuição certeira na arte de contar historias através do cinema independente. O projeto Nós na tela tinha em sua equipe Geraldo Cavalcanti (direção e roteiro), Guaraci gabriel (direção de arte), Silbeni Batista (preparação de elenco), Nilson Eloy (som direto), Ranieri Fernandes (ator e produtor) e Suerda Morais (edição).

No tocante a minha participação no filme, foi fundamental pra perceber que enquanto ator, eu poderia render, sendo dirigido numa linguagem que até então, eu somente experimentava como diretor e editor. O cinema me proporcionou obeservar o ator como um estudioso, pesquisador e questionador da existencia do personagem. Pois o processo de decorar o texto e ir além dessa ação apenas literal, me posicionou num lugar de compreensão do que se tem escrito naquele roteiro. O ator necessita então de ver o texto não como uma diretriz cenica apenas, mas tambem como algo que se move e expressa algo organico em sua existencia. 

Em cena com os atores Raniere Fernandes e Joalison.

Uma das coisas que mais me encantou na mensagem do filme "Odisseia de Ícaro" foi a forma verde de mostrar o Nordeste Brasileiro. Ao contrario de muitos artistas que retratam nossa região de forma que sugere uma distancia da globalização mundial. O personagem ao qual pude interpretar vive num interior do Nordeste brasileiro, mas tem total conhecimento de Teatro, tem uma linguagem coloquial e também se insere no contexto social como sujeito crítico e informado para sua "realidade". Ou seja, esta obra, sem duvida traz inúmeras mensagens subliminares que busca no receptor um pouco de informação e conhecimento de mundo para assim ver as riquezas poéticas contidas no seu material.

Em suma, vale salientar que, o filme A Odisseia de ìcaro, sem dúvidas, trouxe para o municipio potiguar no qual sou natural, Lajes/RN a possibilidade de criar obras artisticas de qualidade. Mesmo que tenha a contribuição de artistas experientes tal qual Geraldo Cavalcanti e Guaraci Gabriel. 

O filme Odisseia de ìcaro pode ser assitido na Youtube no seguinte link: 

ODISSEIA DE ÍCARO (FILME COMPLETO - 2013)

Fontes:

https://reporterceara.com.br/2021/06/17/dia-do-cinema-amigos-realizam-ato-em-memoria-de-geraldo-cavalcanti-e-em-defesa-do-cinema-brasileiro/

https://tribunadonorte.com.br/viver/na-estrada-por-uma-boa-historia/

TEATRO KATHAKALI - O teatro clássico índiano e sua delicadeza

Ao pesquisar estilos teatrais, encontrei um artigo cientifico que aborda de forma clara, o contexto atribuido ao teatro Kathakali. O texto, escrito por  Almir Ribeiro, que é diretor teatral, pedagogo, Mestre em Artes Visuais pela UFRJ e tambem doutorando em Artes Cênicas pela USP com o projeto Edward Gordon Craig: a Supermarionete e a pedagogia da Morte do ator. Almir tambem é  autor do livro Kathakali: uma introdução ao Teatro e ao sagrado da Índia. 

Kathakali, teatro sagrado do Malabar- Teatro mínimo (Brasil/India). 

Dir. Kottakkal Nanda Kumaran - FIT BH (1997) - Foto: Guto Muniz

O artigo em destaque afirma que o Kathakali é um estilo masculino de Teatro-dança clássico originário na antiga região do Malabar, no extremo sudoeste da Índia. Tambem diz de forma clara que  sua forma final supõe-se ter sido atingida ao final do século XVII. Entretano, suas raízes culturais encontradam-se em rituais dramatizados cujas primeiras documentações remontam a quase dois mil anos. 

O pesquisador, tras  tambem questões acerca de sua revitalização ocorrida nas primeiras décadas do século XX, que reencontrou seu vigor com a criação, em 1920, no vilarejo de Cheruthuruthy, da primeira escola governamental para o ensino 86 das artes, a Kerala Kalamandalam. 

A Kalamandalam é a principal escola de Kathakali do país e foi fundada por um dos mais famosos poetas do sul da Índia, Vallathol Narayana Menon, com o objetivo de resgatar as artes cênicas de Kerala. Kalamandalam significa “Academia de artes” e seu prestígio estabeleceu ao longo dos anos um padrão de excelência para todos os atores de Kathakali.

Sobre o espaço cenico, o texto expõe a firmativa de que o palco está parcialmente oculto por uma cortina suspensa por dois ajudantes. Já em relação a composição cenica, sabe-se que o ator está atrás da cortina, pois se pode ver o alto de sua enorme coroa que se move lentamente. Os gritos do personagem e o barulho dos guizos atados em suas pernas somam-se ao estrondo dos tambores que tocam em ritmo vigoroso. Subitamente, as mãos do ator surgem agarrando a parte de cima da cortina. Ele a balança para um lado e para o outro, sem, no entanto, mostrar sua figura. Suas mãos liberam a cortina e ele volta a dançar, oculto ainda da audiência ansiosa. Novos gritos, e os tambores retomam sua força. Outra vez ele segura a cortina e a agita. De repente, com um gesto inesperado e brusco revela sua face amedrontadora. Em sua maquiagem, o vermelho predomina e seus olhos contornados de negro, parecem querer saltar das órbitas enquanto fitam o público. De sua boca emergem enormes e grotescos caninos. O aspecto demoníaco é do vilão Dushássana, que no épico Mahabharata é inimigo dos heróis Pandavas.

O artigo conta que na Índia, acredita-se que todo palco seja um local sagrado escolhido pelos deuses, onde a eterna luta entre o bem e o mal deve se repetir para sempre. O Kathakali, sendo uma arte essencialmente hindu, é conduzido como um ritual e tudo que é relacionado a ele é investido de algum significado religioso. 

O artigo tambem conta que o ator em cena tem consciência do simbolismo da performance enquanto cerimônia propiciatória – normalmente em homenagem ao deus patrono do templo onde ocorre a performance – e da centralidade de sua atuação no contexto da oferenda. Sua aparição em cena, representativa de figuras mitológicas e divinas, encarna ideias e valores culturais que funcionam como eixos ao redor do qual orbitam as vidas da grande maioria da população da Índia e da audiência ali presente, em particular. Nas formas clássicas de teatro da Índia, o ator é invariavelmente um dançarino. 

Normalmente os aprendizes de Kathakali iniciam seu aprendizado muito cedo, entre os oito e doze anos de idade, dentro de uma tradição familiar. 

O teatro Kathakali possui em sua dinâmica cultural procedimentos os quais permitem que sua performance sofra uma questionável “redução” para fins comerciais, em seu próprio local de origem.

O artigo cientifico fecha o seu raciocinio afirmando que o Kathakali enfrenta contemporaneamente alguns desafios a seu desenvolvimento e manutenção, naturais a esse tipo de tradição artística. É um surpreendente paradoxo como uma arte clássica, rigidamente elaborada como o Kathakali e que se utiliza de uma linguagem gestual hermética para comunicar seus textos, possa ser ao mesmo tempo (e ainda hoje) tão popular, principalmente nos pequenos vilarejos de Kerala. No entanto, no início desse século XXI, uma parcela de nova geração de indianos identifica esses aspectos culturais como representativos de uma Índia arcaica e atrasada para os padrões ocidentais, cada vez mais vigentes neste mundo globalizado. 

LEIA O ARTIGO NA INTEGRA:

file:///C:/Users/Fabio%20Fernandes/Downloads/eazevedo,+Ed+13.1+-+83+a+110+-+Deuses+e+marionetes.pdf

Video Arte - Tarsila do Amaral

Um breve retrospecto da arte de Társila do Amaral está numa video aula disponivel no meu canal no You Tube.

FABIO FERNANDES ARTE DOCENCIA.

ARTE PRÉ COLOMBIANA: A importancia da arte e cultura dos povos amerindios.

Quando estudamos historia da arte nos livros didaticos, o destaque sempre se encontra na arte ocidental e seus movimentos culturais no decorrer do tempo, porém, não devemos deixar de estudar a desenvoltura da arte no continente sulamericano como parte componente da história da arte mundial. Sabendo disso, temos que levar em conta a arte dos povos pré-colombianos, período da história das Américas e ao conjunto de povos indígenas que habitavam o continente antes da chegada de Cristóvão Colombo em 1492. Nesse perído, muitos avanços cientificos e culturais foram desenvolvidos como o calendario e o sistema de escrita, tambem foi o período de destaque das sociedades Incas, Maias e astecas.

Pra começo de conversa, os Maias, Incas e Astecas se consolidaram como as três  civilizações mais importantes do período historico.  Foram elas, as responsáveis por dar à arte pré-colombiana seus formatos característicos e o caráter influenciador até hoje presente em símbolos históricos distribuídos pelos museus e construções destes países. Esse formato cultural, se espalhou pela região mesoamericana (México, Nicarágua, Guatemala, Costa Rica, Panamá e Honduras), além do Peru, Equador, Bolívia, Chile, Argentina e Colômbia.

Podemos entender a arte pré-colombiana como o conjunto de manifestações artísticas produzidas pelos povos originários das Américas antes da chegada dos europeus. Ela é reforçada justamente  pelo forte simbolismo, pela ligação com a espiritualidade e uso de materiais naturais, além de se revelar por meio de sociedades complexas, com identidade cultural própria e domínio técnico altamente sofisticado.

Pedra do Sol, ou calendário asteca

A arte pré-colombiana asteca é conhecida pelas obras feitas em ilhas artificiais e por suas representações plásticas baseadas na iconografia, sempre com motivos relacionados à guerra, vinda daí a criação de esculturas macabras, como as estátuas de crânios humanos. Trabalhos manuais com pedras preciosas, tecidos coloridos, pinturas em muros e miniaturas também são exemplos de cultura asteca.

 A pintura asteca foi produzida em tecidos, peles de animais, papéis feitos de cascas de plantas (amate), nas paredes, em cerâmicas e pedras.

A arte asteca se caracteriza pelo uso das cores fortes e pela constante retratação de cenas e situações do cotidiano das pessoas, os artistas dessa civilização costumavam fazer as pinturas nas paredes de pirâmides, templos e nos túmulos. 

Pirâmide asteca do México. Pirâmide mesoamericana. 

Chichen Itza, Península de Yucatán. Pirâmide escalonada.

Além da pintura e escultura, o  povo Asteca também é conhecido por construir pirâmides e templos. Esses monumentos arquitetonicos encantam muitas pessoas até os dias atuais, pela sua complexidade e grandiosidade monumental.

Visão panorâmica de Machu Picchu, sítio arqueológico que conserva a maior parte da arquitetura inca.

Os povos incas têm sua arte pré-colombiana baseada em projetos arquitetônicos funcionais e cheios de simplicidade, com especial atenção aos poucos objetos decorativos; somente ouro e prata em portas, muros e adornos litúrgicos. As plantas de suas construções são em formato xadrez ou oval, sendo as obras feitas por meio do encaixe de pedras. Os trabalhos em cerâmica incas também levam linhas geométricas e muita cor.

As esculturas dos Incas são caracterizadas pelos vasos de cerâmicas decorados, além de estatuetas que trazem aspectos caracteristicos da civilização.

Os temas religiosos são o foco dos Incas e tendo um destaque nos mantos pintados com muitas cores e figuras geométricas. 

Nos edificios maias, os artistas locais fizeram relevos para decorar o ambiente. 

O luxo é uma das principais características dessa arquitetura. 

A arte maia por sua vez, é marcada pelas pinturas com cores fortes, uma vez que eles tinham um sistema de escrita, muitas pinturas têm texto explicativo. Essas pinturas retratam deuses, mitos, cenas agrícolas e figuras importantes. Em termos de arquitetura, destacam-se na construção de templos e pirâmides, pois ela apresenta um elevado grau de sofisticação, visto que a época em que foi produzida. 

Na escultura, podemos destacar vasos decorativos de cerâmica, ídolos e máscaras funerárias.

Podemos concluir que muito além de objetos decorativos, essas produções dos povos pré-colombianos tinham funções ritualisticas, simbólicas e sociais. A arte sempre estave diretamente ligada ao sagrado, à natureza e ao poder, sendo parte essencial da vida cotidiana dessas civilizações, contribuindo assim, para memória da riqueza cultural de nossos povos.

DISPONIVEL EM:

https://jornalismosp.espm.edu.br/movimentos-artisticos-arte-pre-colombiana/

https://www.todamateria.com.br/arte-asteca/

ROCK PROGRESSIVO. A era dos sintetizadores.

A música é uma linguagem artistica ampla que permite inumeras formas de contemplação sonora, variando os estilos e os inumeros timbres disponiveis em suas infinitas notas musicais. Entre os mais variados segmentos musicais, destaco aqui O Rock progressivo, um amplo gênero de rock que se desenvolveu no Reino Unido e tambem nos Estados Unidos em meados da decada de 1960, vindo a consolodar-se no ápice da música no início da década de 1970.

Pink Floyd: sabidamente a mais popular banda do estilo, conhecida e venerada inclusive fora dos territórios progressivos. 

De inicio o segmento era conhecido como  "pop progressivo", o estilo era uma consequência de bandas psicodélicas, ou seja: Uma estética visual, musical e comportamental — popularizado na contracultura dos anos 1960 e 1970, que se destaca pelas cores vibrantes, formas fluidas, padrões geométricos complexos e distorções que imitam ou remetem à experiência alterada da mente. Esse segmento  contribuiu para abandonar as tradições pop padrão em favor de instrumentação e técnicas de composição mais frequentemente associadas ao jazz, folk, ou até mesmo a música classica. 

Elementos adicionais contribuíram para seu rótulo de "progressivo": as letras eram mais poéticas, a tecnologia era aproveitada para novos sons, como no caso da utilização dos sintetizadores, que  na década de 1970 transformaram a produção musical de forma ampla, passando de equipamentos gigantescos e experimentais de laboratório para instrumentos portáteis de palco e estúdio, um grande exemplo é o "Minimoog", Criado por Robert Moog em 1970, ele foi o sintetizador monofônico mais influente da história, tornando a síntese analógica portátil e acessível.  

Robert Moog é um dos nomes mais influentes da música eletrônica, mais conhecida por ser pioneira em sintetizadores analógicos que transformaram o som moderno.

É necessario afirmar que a música nos anos 70 se aproximava da condição de "arte" e o estúdio, mais do que o palco, a musica de fato tornou-se o foco da atividade musical , que muitas vezes envolvia cria-la para ouvir em vez de dançar. A contemplação auditiva ganhava uma maior evidencia em relação à simplesmente utiliza-la como um estimulo dançante.

No Brasil, ‘Casa de Rock’ foi o grande disco da banda Casa das Máquinas . Lançado em 1976, 'Casa de Rock', terceiro registro da Casa das Máquinas, é uma aula do autêntico rock n' roll psicodélico.

Mas o que de fato essa vertente musical vislumbrava, já que era musica assim como qualquer outra linguagem sonora? Para entender essa questão, devemos comsiderar que o estilo musical em destaque buscava uma fusão da música pop e do rock com outros gêneros de harmonia mais complexa. Na sua essência, o som progressivo extrapolava o formato canção em músicas com longuíssimos trechos instrumentais, muitas vezes compondo os chamados “álbuns conceituais", discos que contavam uma história ou possuíam alguma ligação temática entre suas faixas. Assim como a guitarra elétrica se tornou marca registrada do rock n' roll, o teclado se tornou parte inerente do estilo, alcançando ou até mesmo superando sua condição de principal instrumento.

Entre as principais bandas que aderiram ao Rock Progressivo e Psicodélico: Bandas como Pink Floyd, Emerson, Lake & Palmer e Genesis (Tony Banks) usavam Minimoog, ARP e Mellotron para criar texturas épicas. 

No Brasil temos alguns nomes como : 

O TERÇO: conhecido pelo clássico álbum Snegs (1974), que mistura progressivo, hard rock, folk e baião. 

Bacamarte: Banda carioca formada em 1974, famosa internacionalmente pelo álbum Depois do Fim (1983), comparado a grandes nomes do prog sinfônico mundial.

Casa das Máquinas: Consolidada no rock nacional, marcou a história do progressivo com o icônico disco Lar de Maravilhas (1975). 

TERRENO BALDIO, : Fortemente influenciada por bandas europeias como Gentle Giant, lançou um álbum homônimo clássico em 1975 com teclados marcantes e vocais elaborados.

Através do álbum As Crianças da Nova Floresta, o Recordando o Vale das Maçãs estabeleceu-se como um dos principais nomes da música na virada da década de 70 e para os 80, com canções que remetiam para as origens do rock progressivo, mas sem exagerar em técnica ou virtuosismo, apenas empregando letras sensacionais em arranjos belíssimos e encantandoramente trabalhados.

OS MUTANTES: Embora associados ao psicodelismo da Tropicália, álbuns como Tudo Feito pelo Sol (1974) trouxeram uma sonoridade tipicamente progressiva de altíssimo nível. 

Assim como essas bandas influenciaram uma geração na decada de 1970, o rock progressivo trouxe uma nova dinamica na contemplação da música como produto artistico que resignifica a forma de ouvir musica. E sem dúvidas, esse foi um movimento impar na musica no Brasil e no mundo.