10 filmes para relembrar a carreira de Hector Babenco

O diretor Hector Babenco, foi um dos maiores nomes da história do cinema nacional. Ele que fora indicado ao Oscar de melhor diretor pelo filme "O beijo da mulher aranha" (1985). Também dirigiu clássicos como "Pixote: A lei do mais fraco" (1982) e "Carandiru" (2003), tem grande contribuição na trajetoria do cinema .

Nascido na Argentina, em 1946, ele e se mudou para o Brasil aos 19 anos. Naturalizou-se em 1977. Em sua carreira, fez ao todo 11 longas-metragens. O primeiro deles, no entanto, foi assinado em codireção com Roberto Farias. Trata-se do documentário "O fabuloso Fittipaldi" (1973). 

Relembre, abaixo, os dez longas-metragens de ficção Hector Babenco:

'O rei da noite' (1975)

A estreia de Hector Babenco como diretor de ficção foi estrelada por Paulo José e Marilia Pêra.

O filme mostra a história de Tertuliano, o Tezinho, narrada por ele mesmo, desde sua infância até a velhice. Nascido em uma família paulistana tradicional, mas já arruinada, Tezinho tem de conviver com a doença mental do pai, o ocaso familiar e uma série de casos amorosos na trama que se passa em São Paulo, entre os anos 1920 e 1940.

Inicialmente, o protagonista devia se casar com uma jovem de quem tem de se separar a pedido dos pais dela. Depois disso, a mãe dele o aconselha a visitar três irmãs que procuravam um marido. A partir daí, passa a levar a uma vida boêmia e ainda se envolve com uma cantora de cabaré, tornando-se "o rei da noite".

'Lúcio Flávio, o passageiro da agonia' (1977)

Babenco leva para as telonas a história de Lúcio Flavo (Reginaldo Faria), um bandido que ganhou notoriedade nos anos 1970 pelos roubos a banco e as fugas espetaculares. Seis milhões de pessoas foram aos cinemas brasileiros para o ver o longa, que ainda tinha em seu elenco Ana Maria de Magalhães, Ivan Cândido, Milton Gonçalves e Grande Otelo.

Além de receber quatro indicações no Festival de Gramado, “Lúcio Flávio, O Passageiro da Agonia” foi eleito o melhor filme pelo júri popular da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em 1977.

Baseado na obra homônima de José Louzeiro, “Lúcio Flávio, O Passageiro da Agonia” marca o início da parceria entre o cineasta e o escritor e roteirista. Roteirista do filme, Louzeiro ainda escreveu o livro “Pixote -  A Lei do Mais Franco”, levado para as telonas em 1981 por Babenco.

'Pixote:  A Lei do mais fraco' (1981)

"Pixote: A lei do mais fraco" conta a história do garoto que faz parte de um grupo de crianças de rua que, depois de sofrer muito num reformatório, faz aliança com uma prostituta, papel de Marília Pera. “Pixote” foi indicado ao Globo de Ouro como melhor filme estrangeiro.

Na vida real, "Pixote" acabou rendendo uma história trágica. O ator Fernando Ramos da Silva, que interpreta protagonista do filme, acabou não seguindo carreira. Sete anos após o lançamento do filme, ele foi assassinado por policiais em São Paulo.

José Louzeiro, autor do livro que inspirou “Pixote”, voltou ao assunto em “Quem matou Pixote?”, para contar a trajetória de abandono e violência policial e social que permeou a vida de Fernando.

'O Beijo da Mulher-Aranha' (1985)

Um dos principais trabalhos de Babenco, "O beijo da Mulher-Aranha" (1985) foi o único pelo qual o cineasta foi indicado ao Oscar de melhor diretor.

William Hurt recebeu o Oscar de melhor ator Sônia Braga e Raul Julia (“Família Adams”) também estavam no elenco. O filme também concorreu nas categorias de roteiro adaptado e de melhor filme.

Baseado no livro homônimo de Manuel Puig, o longa se passa num presídio de um país latino-americano. Na mesma cela estão Valentín Arrengui (Raul Julia), um militante de esquerda, e Luís Molina (William Hurt) um homossexual condenado por "corromper menores".

Ao longo das conversas, ora intimistas, ora politicamente engajadas, os dois vão desenvolvendo uma amizade.

'Ironweed' (1987)

Babenco foi a Hollywood para dirigir dois astros do cinema americano Jack Nicholson e Meryl Streep – e ambos foram indicados ao Oscar pelos trabalhos.

A produção conta a história do alcoólatra Francis Phelan e da ex-cantora de rádio depressiva Helen Archer. São dois sujeitos com problemas com bebida e muitos dramas no passado.

A trama se passa no fim dos anos 1930, em Albany, Nova York nos Estados Unidos. O país enfrentava na época os efeitos da Depressão econômica. Mas o que interessa aqui não é tanto o contexto histórico quanto os dilemas pessoais de cada um.

O longa é baseado no romance de mesmo nome escrito pelo autor americano William Kennedy. A obra ganhou o Prêmio Pulitzer, o mais respeitado da literatura americana.

'Brincando nos campos do Senhor' (1990)

Eu seu segundo trabalho em internacional, o cineasta novamente dirigiu astros do cinema americano, como Kathy Bates, Aidan Quinn, Tom Berenger, John Uthgow, Deryl Hannah e o cantor e ator Tom Waits.

A trama se passa na floresta amazônica brasileira e mistura casais de missionários religiosos que querem converter os índios nativos e mercenários a serviços de exploradores da selva. 

Waits e Berenger são os mercenários, sendo que este último se arrepende do serviço e resolve se embrenhar no meio do mato. Já Lightow e Hannah interpretaram o casal mais experiente que mora no local. Quinn e Bates acabam de chegar e trazem o filho pequeno na bagagem.

O elenco tem ainda atores brasileiros, como Stênio Garcia, que faz um líder indígena, Nelson Xavier, que vive um padre, e José Dumont, um explorador.

'Coração iluminado' (1998)

O longo hiato entre este o longa anterior de Babenco se explica pelo câncer do qual o diretor teve de se tratar. Na época, fez transplante de medula para se curar e por isso ficou afastado do trabalho.

Ao retornar, com "Coração iluminado", conseguiu ser indicado à Palma de Ouro no Festival de Cannes, o mais prestigioso do cinema de arte internacional.

Coprodução de Brasil, Argentina e França, o filme se passa em Buenos Aires, cidade natal doe Juan, o protagonista e para onde ele volta após 20 anos morando fora. O motivo era visitar o pai doente, só que nesta volta ele acaba descobrindo que um amor do passado, Ana, esta viva. Nesta busca, acaba encontrando a misteriosa Lilith, por quem se apaixona.

Babenco admitia que o roteiro era autobiográfico, inspirado em um caso que aconteceu com ele próprio na década de 1980.

‘Carandiru’ (2003)

Outro filme baseado em uma obra literária “Carandiru” é inspirado em “Estação Carandiru”, do médico Drauzio Varella, que trabalhava no presídio durante o massacre ocorrido em 2 de outubro de 1992. Nesse dia, polícia invadiu a casa de detenção localizada em São Paulo para conter uma rebelião. Matou 111 presos na ação.

O drama narra o cotidiano da prisão, como a atuação de Varella (Luis Carlos Vasconcelos) em uma campanha de prevenção à Aids. O elenco é recheado de estrelas, como Rodrigo Santoro, Milton Gonçalves, Wagner Moura, Lázaro Ramos, Caio Blat e Milhem Cortaz. E conta com as participações especiais de Rita Cadillac e o rapper Sabotage.

A história do massacre levou dez milhões de expectadores aos cinemas do Brasil e fez o filme concorrer à Palma de Ouro em Cannes.

'O passado' (2007)

O filme é estrelado pelo galã mexicano Gael García Bernal, que interpreta Rímini, um tradutor que acaba de se separar após um casamento de mais de uma década. Depois do divórcio, ele se envolve com Vera.

Um dia, Sofia tenta beijar Rímini à força, e Vera acaba morrendo atropelada ao ver a cena.

O protagonista, então, desenvolve uma misteriosa amnésia e se esquece dos idiomas, algo prejudicial em seu trabalho.

Quem o ajuda é a mulher com quem acaba se casando, Carmen, com quem tem um filho. Mas um dia eis que Sofia reaparece e sequestra o garoto.

O filme é baseado no cultuado livro de mesmo nome escrito pelo autor argentino Alan Pauls.

'Meu Amigo Hindu' (2015)

Babenco havia realizado um transplante de medula nos anos 1990 para tratar um linfoma linfático, do qual se curou. Da experiência nasceu o filme autobiográfico "Meu Amigo Hindu", sua última obra cinematográfica, lançada em 2015.

A trama mostra Diego (Willem Dafoe), um diretor com câncer em estado terminal que passa por uma crise. Quando confrontado pela Morte (Selton Mello), Diego expressa apenas um desejo: realizar mais um filme.

As coincidências entre a história do filme e da vida de Babenco não se resumem apenas ao enredo do filme. Diego, assim como Babenco, foi se tratar nos Estados Unidos. É daí que surge o título do longa.

Ele é uma referência a um garoto indiano, que passa pelos mesmos procedimentos que Diego, nos EUA. Juntos, os dois encontram uma saída lúdica para enfrentar a doença.

Disponivel em:

G1 - Hector Babenco: 10 filmes para relembrar a carreira do cineasta - notícias em Cinema

ARTE CONCEITUAL - COMO ESSA FORMA DE REFLEXÃO ARTISTICA SE TORNA INCOMPREENSIVEL PELA MASSA.

Em meio ao cenario contemporaneo no qual a internet deu espaço para todos se expressarem, notamos que muitas são as pessoas que de forma desprovida de criterios dizem o que é ou o que não é considerado arte. Para essa questão, podemos abordar a questão da arte como um pensamento de fato abstrato, mas que se desenvolve através de uma cadencia de pensamentos e de pre-expressividade. è o caso da Arte Conceitual que se configura como uma vanguarda artística moderna e contemporânea que surgiu nos anos 60 e 70 na Europa e nos Estados Unidos, esta vanguarda se define como uma expressão artística mais focada nos conceitos, reflexões e ideias, em detrimento da própria estética (aparência) da arte. Sendo assim, uma forma de arte que considera a atitude mental mais relevante.

Notamos então que a arte conceitual se determina como uma “arte-ideia” em detrimento da “arte-visual”, sendo o principal material da arte a sua "linguagem" de fato. Desse modo , os artistas conceituais preocupam-se em criar reflexões visuais mais impactantes e intuitivas para seus espectadores, Uma vez que, esse movimento artístico que critica o formalismo e propõe a autonomia da obra artística, foi capaz de revolucionar muitos aspectos da arte.

O termo “arte conceitual” foi utilizado pela primeira vez pelo artista, escritor e filósofo estadunidense Henry Flynt, em 1961, durante as práticas do Grupo Fluxus.O Grupo Fluxus foi um movimento que reuniu artistas em todo o mundo e tinha como base fazer oposição à comercialização da arte. Eles trouxeram novas definições à pratica artística, dissipando os limites da arte e mesclando diversos conceitos, com grande influência do movimento dadaísta.

É comum ententer que acerca dessa reflexão artistica, a arte conceitual, segundo o escultor estadunidense Sol LeWitt (1928-2007) é definida como "A própria ideia, mesmo se não é tornada visual, é uma obra de arte tanto quanto qualquer produto".

Desse modo, para boa parte dos estudiosos, Marcel Duchamp (1887-1968) foi um dos precursores da arte conceitual no momento em que colocou um mictório no museu e o chamou de arte, com sua obra Fonte, de 1917. Anteriormente, o artista já havia elaborado outras obras que seguiam a mesma linha, como Roda de Bicicleta, de 1913.

À esquerda Marcel Duchamp com a obra Roda de Bicicleta (1913). À direita, a obra Fonte (1917).

Ali, a ideia dos “ready mades” (já feito), considerado uma antiarte, não era o produto artístico, mas sim o conceito de arte que o artista quis demostrar e que levava mais ao processo reflexivo, em detrimento do visual.

A grande questão da arte conceitual era definir os limites e fronteiras do fazer artístico, ou seja, ela é baseada na indagação: O que é arte?

Podemos listar como as principais caraterísticas da arte conceitual:

• Crítica ao formalismo e ao mercado da arte;
• Crítica ao materialismo e ao consumo;
• Oposição ao hermetismo da arte minimalista;
• Popularização da arte como veículo de comunicação;
• Arte mental e reflexiva;
• Radicalismo e culto à antiarte;
• Ruptura com a arte clássica e formal;
• Uso de fotografias, textos, vídeos, instalações, performances (teatro, dança).

Sendo assim, podemos afirmar que a arte conceitual pode ser definida como uma expressão artistica que prioriza o pensamento reflexivo da obra, ao invés de mirar apenas na questão estética.

DISPONIVEL EM:

https://www.todamateria.com.br/arte-conceitual/

A DIVERSIDADE NO AUDIOVISUAL: A IMPORTÂNCIA DA REPRESENTATIVIDADE E INCLUSÃO PARA O DESENVOLVIMENTO DO MERCADO

A diversidade no audiovisual é um tema cada vez mais relevante na sociedade contemporânea. É inegável que esta indústria, que abarca o cinema, a televisão, a música e os jogos eletrônicos, tem um papel primordial na construção de representações sociais. As imagens, histórias e canções que são veiculadas nessas mídias podem influenciar a maneira como as pessoas enxergam o mundo e também a si mesmas. Portanto, a falta de diversidade neste campo pode trazer consequências nefastas, contribuindo para a manutenção de discursos hegemônicos – que reproduzem apenas uma única forma de estar no mundo, excluindo as outras possibilidades de existência – e o apagamento das histórias e experiências de grupos minoritários, reforçando estereótipos nocivos e equivocados, o que contribui de forma contundente para a manutenção de preconceitos e desigualdades sociais. Por outro lado, a representatividade e a inclusão de diferentes grupos sociais por esta indústria pode ser uma

ferramenta poderosa para promover a compreensão e a aceitação de que vivemos numa sociedade diversa e que todos os atores podem não apenas conviver, coexistir, mas interagir de forma harmônica e pacífica, ajudando, inclusive, na construção da autoimagem e autoestima destes grupos. Ao abarcar as diferenças ampliamos o espectro, as possibilidades, os olhares e assim conseguimos, inclusive, promover a criatividade, mola propulsora deste mercado, trazendo novas ideias e perspectivas, o que pode resultar em produções mais criativas e inovadoras.

A importância da representatividade

Segundo o levantamento Diversidade, Equidade e Inclusão (DE&I) nas Organizações 2022, feito pela consultoria e auditoria Deloitte,  94% das empresas veem que a representatividade traz benefícios aos negócios e 91% dizem que praticá-la aumenta a retenção de profissionais. Portanto, hoje é inviável pensar na produção de conteúdo audiovisual sem considerar a representatividade que, neste contexto, se traduz na presença de diferentes grupos sociais, com pessoas de diferentes raças, etnias, gêneros, classes sociais, orientações sexuais e identidades de gênero distribuídas pelas tramas de forma a ressaltar suas potencialidades e dar luz as suas histórias sob uma perspectiva que não reforce preconceitos. Assim, estes conteúdos podem não apenas ajudar a refletir a diversidade da sociedade, mas colaborar na compreensão e a aceitação da nossa multiplicidade, empoderando grupos minoritários, mostrando que eles possuem vivências valiosas, semeando assim a empatia, além de ajudar a criar obras mais realistas e representativas, o que pode melhorar a qualidade da experiência do público, tornando a experiência mais envolvente e significativa. Além disso, as obras audiovisuais podem ser uma ferramenta poderosa para promover o aprendizado e a conscientização sobre diferentes culturas e experiências.

Obviamente, quando falamos na inclusão dentro da indústria audiovisual não estamos nos referindo apenas à sua linha de frente, ao produto final que é exibido e consumido pela audiência. Trata-se de ter este conceito arraigado a todas as etapas do processo, de forma que todos possam ter a chance de exercitar seus talentos nas diferentes etapas do processo.

 

Como a diversidade afeta o mercado

Sob a perspectiva financeira, a diversidade no audiovisual também traz impactos positivos, promovendo um aumento da demanda ao abrir novos nichos e atender uma exigência do próprio público que já demonstrou o interesse crescente por obras mais diversas e representativas. Há de se considerar ainda o imensurável ganho institucional, ajudando os players a transmitir uma imagem mais inclusiva e diversificada, o que pode levar a uma maior aceitação e apoio do público e de investidores.

Desafios para a diversidade

Mas apesar da importância da diversidade no audiovisual, ainda há muitos desafios a serem enfrentados. Contudo, com o empenho de todos os envolvidos, é possível construir uma indústria mais inclusiva, livre das amarras do preconceito.

Dosponivel em:

https://rushvideo.com.br/a-diversidade-no-audiovisual-a-importancia-da-representatividade-e-inclusao-para-o-desenvolvimento-do-mercado/

Rio 40 Graus – O marco zero do Cinema Moderno Brasileiro

Em meados da década de 50, o coronelismo era comum no Brasil. Ou ainda mais comum. Dentre os acontecimentos políticos da época, Café Filho assumiria o governo deixado por Getúlio Vargas, sendo sucedido posteriormente por Juscelino Kubitschek. A industrialização brasileira engatinhava frente a um país predominantemente rural e socialmente dispare.

Mas raios fúlgidos de esperança reluziam no horizonte. Os movimentos sindical e estudantil ganhavam força e buscavam denunciar o que havia de podre no reino do carnaval, e o cinema teria seu papel de destacar as mazelas do país. Infelizmente, os raios iriam brilhar um pouco menos após o golpe militar de 64.

No universo cinematográfico, os estúdios Vera Cruz anunciavam falência. Oportunidade para reformulações. Lá fora, o cinema respirava novos ares com o Neorrealismo italiano e a Nouvelle Vague francesa, escolas que iriam influenciar as cabeças pensantes tupiniquins. Aqui, não faltavam idéias e idealistas que passariam a operar sob o lema do Cinema Novo Brasileiro: “Uma ideia na cabeça e uma câmera na mão”. Uma nova geração de cineastas, inspirados nos movimentos italiano e francês, indicaria o que o cinema nacional deveria dizer, o que deveria focar e trazer aos olhos da sociedade. Diziam que o Cinema deveria ser realidade, evocar a discussão sobre violência, religião, política, cultura e os grandes problemas nacionais. Não importava se as obras fossem “ruins” frente às produções estrangeiras, se não havia equipamentos, dinheiro ou circuito para exibição. Para eles, filmar também seria escrever a história, com seus filmes feios e tristes, gritados e desesperados, mas com conteúdo relevante.

Para que esse movimento nacional pudesse engrenar, Nelson Pereira dos Santos, em 1955, precisaria mostrar que era possível desafiar capitalismo e comunismo, produzindo, de maneira totalmente independente, Rio 40 Graus, película considerada o marco zero do cinema moderno brasileiro.

Nelson Pereira criticava as produções dos estúdios Vera Cruz. Achava que não retratavam a cultura brasileira em seus filmes. Resolveu fazer diferente e juntou um grupo de “não atores” desconhecidos e pessoas comuns. As filmagens duraram mais de um ano alimentadas por macarrão e sonhos de mudança. Vencidas todas as dificuldades financeiras e técnicas, o cineasta ainda teria de conseguir driblar a censura. Seu filme foi acusado de ter elementos comunistas e de ter recebido financiamento soviético. Ironicamente, ele próprio de ideologia comunista, encontrou resistência até mesmo dentro de seu partido, o PCB. Um dirigente dizia que cinema era um sonho pequeno-burguês. A censura oficial implicou até com o título, considerado mentiroso porque a temperatura nunca havia atingido os 40º no Rio.

Bebendo diretamente do Neorrealismo italiano (ver Ladrões de Bicicleta, 1948), Nelson Pereira queria mostrar não apenas os cartões postais, mas um retrato por completo do Rio de Janeiro e seus contrastes e contradições, habitado por personagens invisíveis e enxotados para o rodapé dos roteiros. Seriam eles que assumiriam o papel de protagonistas. Em Rio 40 Graus, cinco garotos negros do Morro do Cabuçu se espalham pela cidade para vender amendoim com o objetivo de comprar uma bola de futebol.

Copacabana, Morro do Corcovado, Pão de Açúcar e Maracanã são alguns dos cartões postais onde os garotos tentam sua sorte. Enquanto caminham por esses locais, o filme vai apresentando os contrastes sociais, alternando turistas e moradores que podem desfrutar os prazeres da cidade, em conversas fúteis e amenidades da vida carioca, com os garotos do morro, famintos e marginalizados, enxotados aos gritos de “moleque safado”, “malandro”, “vá trabalhar” e até ameaças de prisão.

No Maracanã, os bastidores de uma partida de futebol, com um jogador tendo de encarar seu último ano de profissão devido à idade e a pressão da torcida em um momento de decisão. A figura do político, meio analfabeto, mulherengo e mais interessado em seus próprios interesses, surge na forma de um caricato coronel suplente de Deputado, “amigo do Ministro”. Esperado no aeroporto pela impressa e disputado por um sem número de aduladores, resolve visitar o Cristo Redentor para pagar uma promessa enquanto discute o futuro dos seus próprios interesses.

O malandro do morro, o cachaceiro, o político, a garota de família que engravida fora do casamento, o boa vida da praia e outras figuras símbolo da cidade são apresentados entre uma cena e outra. Envolto por polêmica e perseguições políticas, apenas intelectuais e artistas ficaram a favor da obra, que terminou sendo autorizada para exibição três meses depois de finalizado, com o slogan “o filme que abalou o país”, já sob a presidência de JK.

O conteúdo denunciador do filme é amargo, mas a obra não se entrega a um drama desmedido ou o puro miserabilismo, que viria a ser criticado no Cinema Novo, conseguindo apresentar os abismos sociais mas, ainda assim, imprimir uma espécie de bom humor apesar das adversidades. Apesar do conteúdo denso, o filme consegue ser divertido, encarnando a disposição do brasileiro frente às adversidades. Hoje, 6 décadas depois, notamos que os mesmos problemas persistem, mas os garotos do morro perderam a aura de inocência, sendo vítimas não apenas de uma elite conservadora, mas do tráfico de drogas, atuação de milícias e outros aspectos da violência, como apresentadas no filme Cidade de Deus, com um grupo que sofre das mesmas mazelas sociais, porém aumentadas exponencialmente pela violência urbana.

Rio 40 Graus, apesar de suas limitações estéticas e técnicas, até hoje é uma obra fácil de ver e continua relevante. Suas histórias soltas e personagens cativantes conseguem prender a atenção do espectador, entreter e ensinar um pouco de história, estimulando a reflexão e despertando a crítica social, especialmente quando comparamos a evolução do país após 61 anos. Um filme datado mas atemporal, digno de ser lembrado e indicado.

DISPONIVEL EM:

Rio 40 Graus – O marco zero do Cinema Moderno Brasileiro - Distração Planejada

O CINEMA BRASILEIRO E SUAS MANIFESTAÇÕES EM MEADOS DO SÉCULO 20

O cinema brasileir é visto como uma marca do cotidiano brasileiro em sua essencia, o que de fato o distancia de obras "Hollywoodianas". Em sua trajetória, muito titulos trouxeram mensagens subversivas imersas em pensamentos totalmente anacronicos. 

É importante entender que durante a década de 1950, a indústria cultural brasileira sofria com diversos entraves que impediam a produção de filmes e, consequentemente, a criação de obras com grande qualidade técnica. Um pouco antes dessa época, a indústria cinematográfica paulista viveu uma pequena fase de ascensão, mas que foi incapaz de consolidar a sétima arte no Brasil. Dessa forma, jovens intelectuais e artistas passaram a discutir um novo rumo para o cinema nacional.

A primeira importante manifestação desse sentimento de mudança aconteceu em 1952, com a organização do 1º Congresso Paulista de Cinema Brasileiro. Nesse encontro, além de pensar em alternativas para a incipiência da arte cinematográfica, seus integrantes se mostraram preocupados em se distanciar do prestigiado modelo ficcional do cinema norte-americano. Seu grande interesse e inspiração estavam, principalmente, em dialogar com os elementos estéticos oferecidos pelo neorrealismo italiano.

A partir de então, seus objetivos centrais eram realizar um cinema de apelo popular, capaz de discutir os problemas e questões ligados à realidade nacional, e o uso de uma linguagem inspirada em traços da nossa própria cultura.

Em 1955, o diretor Nelson Pereira dos Santos exibiu Rio 40 Graus, o filme responsável pela inauguração do Cinema Novo, que oferecia uma narrativa simples, preocupada em mostrar personagens e cenários que pudessem criar um panorama da cidade que, na época, era a capital do país. Isto levou outros cineastas cariocas e também baianos a simpatizarem com essa nova proposta estético-temática para o cinema brasileiro. O filme chegou a ser proibido pela censura, sendo liberado apenas depois da posse de Juscelino Kubitschek. Esse filme sintetiza a busca por um cinema nacional-popular, que falasse do Brasil para os brasileiros, com uma temática ligada à realidade nacional.

Mas o cinema da década de 1950 ainda se mantinha fiel a uma narrativa clássica, contando histórias lineares, a partir de recursos de câmera convencionais. No início dos anos 1960, um novo grupo de jovens cineastas iria manter essa busca pelo “cinema brasileiro”, mediante formas de linguagem mais inovadoras.

Se o cinema nacional dos anos 1950 preferia narrar a vida dos pobres da cidade, dialogando com a estética dos melodramas e das chanchadas musicais da época, o Cinema Novo desviava suas lentes para o homem do campo. Isso porque, conforme a perspectiva política da época, acreditava-se que a Revolução Brasileira aconteceria no meio rural ou nas comunidades semirrurais.

O golpe militar de 1964 ocorreu num momento em que o cinema brasileiro vivia sua fase mais criativa e diversificada, conquistando um amplo reconhecimento no exterior. O movimento do Cinema Novo tinha assumido para si a tarefa de levar para as telas as utopias e contradições da realidade brasileira, com foco na realidade social, por meio de uma linguagem inovadora e ousada.

A “Revolução Brasileira” parecia iminente quando a democracia foi substituída pela ditadura. A partir de então o cinema, sobretudo os diretores ligados ao Cinema Novo e ao Cinema Marginal, tentou compreender a modernização brasileira, a violência política que se instalou, e o papel dos intelectuais e da classe média diante da nova realidade política.

Disponivel em:

Bastidores das gravações de Rio, 40 Graus – Memorias da Ditadura

Conto - VENENO (Fábio Fernandes)

 

TITULO: Veneno

LOGLINE: Um pai solteiro recebe a visita do filho pequeno e tem de aturar a implicância de vizinhos arruaceiros.

SINOPSE: Pedro é um pai solteiro, tímido e muito pacifico e extremamente bondoso, que recebe seu filho pequeno em sua casa para uns dias de férias. Logo se vê envolvido por vizinhos criminosos que se aproveitam de sua calma para chantageá-lo, tirar sua paz e assediarem moralmente com ameaças à ele e seu filho em troca de seu silencio.

ARGUMENTO:

Pedro recebe uma ligação, somente com a voz de uma mulher, é sua ex-esposa dizendo que vai precisar viajar e tem de deixar o filho com ele alguns dias de férias. Ele aceita a vinda do filho. Assim que o menino chega em casa, Pedro curte a presença do garoto. Na tentativa de brincar com o menino, Pedro encontra algumas caixas no lado de fora da casa, e recorta para fazer um carrinho reciclável. Mal sabia ele, que essa caixa pertencia a um grupo de vizinhos envolvidos com praticas criminosas. Logo, os vizinhos criminosos entram em sua casa e mostram uma cadeira nova de Pedro toda destruída, e o líder da quadrilha aponta um revólver pra Pedro, que nervoso tenta proteger o garoto e não entende o motivo dessa ameaça. Os criminosos estavam mostrando que eles detinham todo o controle da situação e deu um anuncio de ameaça para que Pedro nunca mais se metesse no caminho deles, mesmo que sem nenhuma intenção. Pedro se mostra surpreso e amedrontado, atordoado promete que nunca mais irá se meter no caminho dos vizinhos, jurando na mira do revólver que vai permanecer em silencio, caso contrario eles matam seu filho. Assim, Pedro fica sendo frequentemente humilhado pelos vizinhos, que aproveitam de sua bondade para assediar moralmente Pedro, inclusive dentro de sua casa. Pedro e o filho são obrigados a fazer todos os caprichos dos criminosos, até que um dia todos entram na cozinha de Pedro para se drogarem, o bando do grupo assalta um pote de chocolates e dizem que vão voltar no outro dia e exige mais comida. Pedro, continua em silencio, sempre querendo proteger o filho. O semblante de Pedro sempre cabisbaixo e humilhado, o mostra sempre como um refém dos vizinhos bandidos. Os vizinhos vão embora e prometem voltar no outro dia pra outra sessão de tortura psicológica. No dia seguinte, os bandidos retornam à cozinha de Pedro para se drogarem e mais uma vez assaltam todo o pote de trufas de Pedro. Depois surge a cena dos bandidos morrendo dentro do carro que eles iriam praticar um assalto. Misteriosamente todos morrem envenenados. Flash Back de Pedro envenenando todos os chocolates com uma seringa de veneno e falando pro filho, não tocar nos bombons. O perito criminal descobre que todos foram envenenados. Mas devido o jeito frio e correto de Pedro, ele fica fora de todas as suspeitas do crime. Flash Back de Pedro queimando as evidencias do crime numa pequena fogueira. Pedro sai de mãos dadas com o filho e diz a seguinte frase. “No jogo da vida, saiba ser imprevisível, o verdadeiro jogador nunca revela seu potencial aos seus inimigos”.

SERTANIAS E TAIPAS

Sabe-se que a casa de taipa é um método construtivo que utiliza barro, terra ou argila como material principal para a construção das paredes das casas. Essa antiga técnica, todavia tem sido utilizada há séculos em diferentes regiões do mundo, inclusive no Brasil, principalmente na região nordeste. Sabendo disso, esse ensaio experimental revela a intensidade cromática sobre uma peça de taipa ornamental. No qual a mesma imagem e ângulo se mostra em duas perspectivas cromáticas. Assim, ficaram as composições imagéticas:

Frontal, evidenciando as formas geométricas quadradas e retangulares.

O pilão é um utensílio culinário essencial na cozinha africana, com as mesmas funções de um almofariz, ou seja, para moer alimentos, mas de tamanho muito maior. Esse objeto é um componente essencial na cultura ruralista brasileira.

Fechadura. em diversas perspectivas.

Texto e fotos:

Fábio Fernandes

 

 

LIVROS SOBRE A HISTORIA DA ARTE NO BRASIL

Venho sugerir alguns títulos literários referentes ao ensino de arte no Brasil,  segue a lista:

Obra fundamental para o conhecimento do Movimento da Arte Moderna no Brasil. Um dos momentos mais criativos da cultura brasileira, o livro apresenta de forma completa a constituição e desenvolvimento nas artes visuais (1900-1950), de forma completa apresenta os detalhes da Semana de Arte Moderna de 1922 e seus desdobramentos em todo o Brasil. concilia a análise de poéticas individuais com o significado que estas irão adquirir no processo histórico artístico brasileiro. A autora Icléia Cattani apresenta com desenvoltura um texto claro e enxuto, possível de ser compreendido por todos os níveis do ensino e conhecimento.

Os estudos sobre cultura brasileira têm adentrado, cada vez mais, as salas de aula, tanto na educação superior quanto nos ensinos fundamental e médio. No entanto, quando o enfoque são as chamadas culturas populares, ainda faltam subsídios bibliográficos e teóricos de caráter didático. As culturas regionais, as relações entre erudito e popular, tradicional e moderno, assim como o universo de criação artística, a religiosidade e os ofícios fazem parte do caldeirão fervilhante dos debates contemporâneos sobre o Brasil. Nesta obra, os autores conduzem uma análise introdutória, de caráter histórico e antropológico, das culturas populares no Brasil. Dessa forma, são destacadas a importância e a riqueza dos saberes, fazeres e das celebrações das diferentes classes populares, que, historicamente, atraem a atenção de intelectuais de todo o mundo e são, há muito, um tema instigante e encantador de estudos.

A reedição deste livro é um convite à imaginação dos Arte-Educadores brasileiros, instigando sua curiosidade para conhecer melhor um autor cuja obra se eleva acima do tempo. A contribuição de Dewey permanece maior que suas sucessivas interpretações, resiste ao movimento intelectual que ora o esquece, ora o traz novamente à luz, como vem acontecendo nos dias de hoje. A cada nova investida se percebe que muito do que ele disse há tanto tempo é uma antevisão de questões cruciais do presente, como é o caso da palestra descoberta por Ana Mae nos arquivos de Arte-Educação da Miami University, dirigida a professores de Arte e trabalhos industriais e incluída nesta edição. É um belo exemplo da visão de Dewey sobre a importância da Arte no desenvolvimento humano.

O livro de Ana Mae Barbosa, Arte-Educação no Brasil, chega agora a sua 6ª edição, confirmando, já à luz de sua acolhida, a importância da contribuição desse estudo para a reflexão acerca do ensino de arte na escola nova brasileira e das profundas transformações que sua didática vem sofrendo nos últimos anos. Pois o exame nele desenvolvido aborda com notável pertinência as ideias e os propósitos dominantes na educação pela arte no Brasil, no segmento de tempo que formou as bases de apreensão atual da pedagogia artística, em função da qual se pode avaliar a adequação dos métodos utilizados, a natureza dos objetivos propostos, e inferir o caminho a ser seguido no seu aperfeiçoamento e renovação.

O Livro tem foco e objetivo de comemorar mais de três décadas do ConFAEB, registrar as ações históricas e políticas que marcaram o desenvolvimento do componente curricular Arte na educação básica e ensino superior. Inspirar, instigar, mover e motivar a luta pela Arte/Educação no Brasil fazem parte das ações da FAEB (gestão 2019-2021).

Esse estudo versa sobre o ensino intercultural das artes visuais na escola e é constituído por dois eixos principais: a multiculturalidade no Brasil e a estética feminina do cotidiano. Discute tendências contemporâneas internacionais sobre educação intercultural e sobre o ensino das artes visuais. A estética do cotidiano é abordada por meio do conceito de "fazer especial" desenvolvido por Dissanayake e de "valor estético" desenvolvido por Rader e Jessup. Para trabalhar com a estética do cotidiano no ensino das artes visuais foi necessário ampliar o conceito de arte usualmente utilizado na escola para um sentido mais amplo de experiência estética, incluindo, dessa forma, as chamadas "artes menores".

O trabalho envolveu uma pesquisa de campo sobre a estética feminina do cotidiano nas famílias de alunas(os) de uma escola municipal de ensino básico da cidade de Santa Maria, RS, e uma experiência de educação intercultural no ensino das artes visuais, nessa escola, envolvendo gênero e etnia e fundada no cotidiano.